Invisible fragments – A/V Installation


Invisible fragments is a scalable audio-visual installation that unveils several miniature territories, whose details, inaccessible to the naked eye, become objects of contemplation under the camera-eye.

Invisible fragments - installation - félix-antoine morin

As the camera roams and probes these territories of the infinitesimal, the work gradually sediments into a microcosmic universe, evocative of an aesthetics of the sublime whose scale of perceptive grandeur transcends everyday references. Through a process of poeticization of these unsuspected infra-worlds and supra-worlds, the camera-eye allows one to perceive at the same time as it re-maps different worlds sensitive to manifold movements. From the realities of the textures and the reliefs of these environments filmed in macro are born fictions in which perception and imagination are in constant dialogue. The infra-worlds loom, echo each other, their borders sometimes blur. The slowness of the overflights in long sequence view creates another temporality through which the scales of perception are reconfigured: the macro becomes micro, the detail becomes mass, the microcosm is akin to a new cosmology where a hybrid is created from the geology of the strata of arid lands, of distant stars, of mountain valleys and the biological activity of organic membranes as forerunners of a possible life.

The spatialized sound tracks that accompany the images are purely subjective and seek to create a synchrony with the unfolding images. The use of combined sounds in this installation makes it possible to link heterogeneous spaces. The sound indeed acts as a unifying agent for the flow of images by enclosing them in a non-frame which overflows temporally and spatially the limits inherent to the camera and the screen. If the image circumscribes a space, the sound works by opening and blurring the same space. The co-habitation of the two mediums creates a tension, questioning perceptions in their multiple dimensions. In this sense, it is the perceiving subject who is then at the heart of the installation, experiencing a simultaneous double movement involving, on the one hand, viewing images from which one is held at a distance by the mere fact of the technical device and, on the other hand, the internal permeation of the effects of the sound which penetrates it. The proximity of the sound elements as well as their temporal and spatial evocation range endows the sound creation with a new double function of homogenization and transformation of the image by sound and of the sound by the image. The aesthetics of this installation aims to explore possible complexifications of the relationship between time and space, visual perception and auditory perception, optical source and sound source.

Premiere at Heritage Space, from February 28th to March 6th (2020), Hanoi, Vietnam

FB event

Music / installation / edition : Félix-Antoine Morin
Video : Alexis Zeville & Félix-Antoine Morin
Curator: Nguyen Anh-Tuan


Invisible fragments est une installation audio-visuelle évolutive qui dévoile plusieurs territoires miniatures, dont les détails, inaccessibles à l’oeil nu, deviennent objets de contemplation sous l’oeil-caméra.

À mesure que la caméra sillonne et sonde ces territoires de l’infime, l’oeuvre se sédimente progressivement en un univers microcosmique, évocateur d’une esthétique du sublime dont l’échelle de grandeur perceptive transcende les référents quotidiens. Par un processus de poétisation de ces infra-mondes et supra-mondes insoupçonnés, l’oeil-caméra donne à percevoir – en même temps qu’il re-cartographie – différents mondes sensibles aux multiples mouvements. Des réalités des textures et des reliefs de ces environnements filmés en macro, naissent des fictions dans lesquelles perception et imagination sont en constant dialogue. Les infra-mondes se profilent, se font échos les uns les autres, leurs frontières se flouent parfois. La lenteur des survols en plan séquence crée une temporalité autre à travers laquelle ce sont les échelles de perception qui se reconfigurent : le macro devient micro, le détail se fait masse, le microcosme s’apparente à une nouvelle cosmologie où s’hybrident une géologie de strates de terres arides, d’astres lointains, de vallées montagneuses et l’activité biologique de membranes organiques comme symptômes d’une vie possible.

Les trames sonores spatialisées qui accompagnent les images sont purement subjectives et cherchent à créer une synchrèse avec les images déroulantes. L’utilisation des sons combinés dans cette installation permet de mettre en relation des espaces hétérogènes. Le son agit en effet comme un opérateur d’unification des flux d’images en les englobant dans un non-cadre qui déborde temporellement et spatialement les limites inhérentes à la caméra et à l’écran. Si l’image circonscrit un espace, le son travaille par ouverture et brouillage de ce même espace. La co-habitation des deux médiums pose une tension qui questionne la perception dans ses multiples dimensions. En ce sens, c’est le sujet percevant qui est alors au coeur de l’installation, en faisant l’expérience d’un double mouvement simultané d’une part de visionnage d’images desquelles il est tenu à distance – par le seul fait du dispositif technique – et d’autre part d’imprégnation intérieure des effets du son qui le pénètrent. La proximité des éléments sonores ainsi que leur portée d’évocation temporelle et spatiale dote la création sonore d’une nouvelle double fonction d’homogénéisation et de transformation de l’image par le son et du son par l’image. L’esthétique de cette installation a ainsi pour visée d’explorer des possibles complexifications des rapports entre temps et espace, perception visuelle et perception auditive, source optique et source sonore.

Présenté en première au Heritage Space, du 28 février au 6 mars 2020, Hanoi, Vietnam

FB event

Musique / installation / édition : Félix-Antoine Morin
Vidéo : Alexis Zeville et Félix-Antoine Morin
Commissaire: Nguyen Anh-Tuan

Coextensive Ubiquity – Valparaíso / Montréal / Tokyo

Coextensive Ubiquity is a project in which I can position several stereo microphones in different places, without geographical constraints. Simultaneous sound transmission is then made possible through the use of a special implement. This project goes far beyond music, it is an adventure in sound, an exploration of perception and an experience that concerns itself with the phenomenon of ubiquity. I gave a concert in December 2017 in Valparaiso (Chile), where I experimented for the first time with my notion of “ubiquitous listening”. I called upon the audience to experience the listening of their city through the multiplied perspective of different sound scenes, all of which were combined to co-exist in a way that escaped the fixed nature of our daily listening which of course remains absorbed in only one situation of place and time.

Coextensive Ubiquity - Tokyo - Félix-Antoine Morin

To realize this project, I had scattered in the city of Valparaiso several stereo microphones which, like pairs of ears, sent me their signals – soundscapes that I would chance upon at the moment and combine live from my mixing table. The panoramic noise of the city produced a vast field of simultaneous realities: from the loud roar of the sea, and the clamor of fish traders at the markets, to much more intimate details such as that of doors as they creaked, and seagulls as their wings flapped in the air.

This way of working with different scenes and sonic proportions is risky for any composer who is used to working with fixed sounds, but it opens the door to new possibilities and perceptual experiences. Musique concrète, in the vein of which I associate with this project, allows the composer to play with time, to transgress it and to reconstruct it. Through this creative process, by means of simultaneous sound transmission, our relation to the present is brought to a new dimension. As I experiment with the vastly different sound perspectives that are afforded through the phenomenon of ubiquity, I am attentively shaping the contrasts that emerge. I am able to combine site transmissions that bear radically divergent proportions – individual soundscapes that tend to offer a very dynamic range from the barely audible to the deafening, as well as soundscapes that sound more or less distant in the geography of the city. I believe that the principal point of interest of having the technical ability to combine live site transmissions is that it permits a conceptualization of sound composition as a form of storytelling where numerous narratives are suddenly capable of being juxtaposed together. Furthermore, simultaneous sound transmissions grant the composer the ability to occupy a double role: that of spectator because he must discover the sounds live, and that of composer because he then must organize and link the scenes.

At the beginning of 2019, I worked for three months on this project with soundscape from the city of Tokyo, more recently Tokyo Arts and Space (TOKAS). I first bet to work with other composers located in other countries to whom I proposed to send them the sound signals that I would collect in advance, so that they can interpret them way and organize them in turn musical work that would be marked this time with their own poetics. What interests me when I involve artists from different countries is the duplication of the principle of ubiquity. These real-time broadcasts were to occur at predetermined times and allow them to interpret simultaneous transmissions in their own way, organizing them and transforming them into musical works with their own aesthetics. In Montreal, Maxime Corbeil-Perron, Alexander Wilson in Copenhagen, Lionel Marchetti in France, Hanna Hartman in Berlin, Sara Magnan in Mexico, Vanessa Massera in Stockholm and Pierre Alexandre Tremblay in England. The works of each artist were then to be recorded and made available to the public, allowing people to understand how each could recompose / remix live soundscapes based on their personal sensitivity with a unique “sound reality” yet shared at the base. This idea of ​​collaboration seemed to me to be a logical extension of a research that precisely questions the notions of simultaneity, distance and perception. I had to put aside these collaborations for lack of funding.

With the Coextensive Ubiquity project, which explores questions related to perception, architecture and acoustics, I took up the challenge of dispersing my microphones all over the city of Tokyo to receive various sound signals in real time. In the end, though, I chose to work with more targeted and accessible spaces: those of the TOKAS building itself and part of its outside perimeter. With this endeavor being primarily a research project, it seemed much more logical (and more flexible) to work in this way. It allowed me to react more quickly to the sound material, and to experiment with different ways of deploying the sound transmission system. Also, this new approach afforded me a clearer grasp of the project’s most relevant artistic implications – those to be brought forward at the next presentation. Much more than a system for collecting anecdotal soundscapes, this project must be conceived as a giant musical instrument that feeds on acoustic architecture.

* With the incredible help of Francis Lecavalier (Creative Coding)
* Curator in Valparaiso (Chile) : Eric Mattson

Coextensive Ubiquity @ Tokyo art and space OPEN STUDIO (Félix-Antoine Morin)

Coextensive Ubiquity @ Tokyo art and space OPEN STUDIO 2019

Coextensive Ubiquityは、都市のさまざまなエリアに12個のステレオマイクを配置するプロジェクトです。その後、特別な道具を使用することにより、同時音声伝送が可能になります。このプロジェクトは音楽をはるかに超えており、音の冒険、知覚の探求、ユビキタス現象に関係する経験です。 2017年12月にバルパライソ(チリ)でコンサートを開催し、「ユビキタスリスニング」という概念で初めて実験しました。さまざまなサウンドシーンの多様な視点から彼らの街のリスニングを体験するように聴衆に呼びかけました。場所と時間の状況。




知覚、建築、音響に関連する質問を調査するCoextensive Ubiquityプロジェクトでは、さまざまな音声信号をリアルタイムで受信するために、東京市内にマイクを分散させるという課題に取り組みました。しかし、最終的には、よりターゲットを絞ったアクセスしやすい空間で作業することを選択しました。TOKASの建物自体とその周辺の一部です。この取り組みは主に研究プロジェクトであるため、この方法で作業する方がはるかに論理的(かつ柔軟)に思えました。音素材にすばやく反応し、音伝送システムを展開するさまざまな方法を試すことができました。また、この新しいアプローチにより、プロジェクトの最も関連性の高い芸術的意味をより明確に把握することができました。これは次のプレゼンテーションで紹介するものです。逸話的なサウンドスケープを収集するためのシステム以上のものであるこのプロジェクトは、音響アーキテクチャを取り入れた巨大な楽器として考えなければなりません。

Coextensive Ubiquity (sound & media art) - Félix-Antoine MorinCoextensive Ubiquity - Félix-Antoine Morin (Montreal, Canada)

Félix-Antoine MORIN TOKAS

Le jeu des miroirs de Kali – album

[KOHL038] (2018)

Composé entre 2013 et 2017 à partir d’enregistrements faits en Inde du nord en 2013
Mastering : Stéphane Claude (OBORO)

En version digitale ou CD (édition limitées 200 copies) ici:

“ … the way Morin created his composition is something of a delight. There is a great flow between the three elements, slowly shifting back and forth between one or the other, an effective use of volume control is in place and via quick editing the sound can change radically in a split second, bringing out an excellent abstract narrative. Record of the week, should we do that sort of thing. “
Frans de Waard, Vital Weekly, Amsterdam, Netherlands, February 13th 2018

“ Le jeu des miroirs de Kali est sans contredit l’album le plus particulier que nous avons traité jusqu’à présent sur le site, il se positionne à mi-chemin entre la bande sonore et l’expérimentation auditive. Préparez-vous pour un périple musical extrêmement imagé qui saura jongler avec votre perception des sons et des cultures.”
William Paulhus, Mes enceintes font défaut, Montréal 19 Février 2018

“… Au final, « Le jeu des miroirs de Kali » est un album audacieux, mature et réussi. Si le compositeur Félix-Antoine Morin n’avait qu’un seul opus à composer de sa vie, il peut à présent dormir en paix.”
Pierre-Luc Senécal, Journal VOIR, 22 mars 2018

“… On s’immerge complètement dans le décor sonore du compositeur, évocatrices scènes liées entre elles par d’harmonieuses nappes de claviers…”
Philippe Renaud, Le Devoir, 26 février 2018

“… Indeed there is a strong narrative thread throughout, with quite strong contrasts in timbre and tone, along with symphonic crescendoes of emotional grandeur. (…) the work is very well crafted and there’s no doubting the sincerity of the composer’s intent. Unlike his more abstract electroacoustic brethren, Morin isn’t just interested in transforming sounds for their own sake, and clearly aims to reveal truths and shared experiences in his work…”
The Sound Projector, London, United Kingdom, 27th February 2018

“ Pour continuer le voyage dans les bas-reliefs d’un paysage sonore, un monde en soi, un voyage auditif en poussières texturées, temples explosés en un nuage binaire, chiens disparaissant en écho derrière leurs hurlements, bactérie mangeuse de réel en arrière des rickshaws qui s’éloignent, chants venus de dieu et qui y retournent après des loops dans une cage thoracique, une gorge et une envolée, voici une oeuvre forte de Félix-Antoine Morin.  Il avait fait jouer ses « fields recording » dans un restaurant indien de Montréal, fallait y être.  Divers sons puisés en Inde que voici organisés en une fresque épique, car il a l’âme sublime.  Jette un flou dans tes cartographies par l’élan sublime d’une audiofaction…  Fais le silence autour, allonge-toi, détend-toi, PLAY, pars en voyage.” Maelstrom Maom, écrivain, Montréal 2018

“… Il nous emmène à travers un curieux cahier de voyage en Inde du Nord, présenté sous forme de deux tableaux qui mêlent des sons captés sur place pendant près de trois mois et combinés à des sons électroacoustiques, parfois simplement sous-tendus, parfois enveloppant et masquant progressivement la source originelle. Un jeu de va-et-vient constant propre à susciter un récit, souvent onirique… “ Revue & Corrigée, France, sept 2018

Note de programme

FR //

Il y a le feu de crémation. Je regarde les chiens se battre pour un bout de bras ou de jambe. Juste en avant les pèlerins avancent par centaines sur les ghâts pour plonger dans cette eau opaque. J’avance avec les autres dans ce liquide sacré du Gange et mes pieds glissent sur la pierre visqueuse. J’essaie de ne pas perdre l’équilibre d’un bras, de l’autre je tiens un micro qui enregistre la prière des dévots. Certains ont fait le voyage depuis le sud pour se rendre jusqu’ici. Souvent à pied et comme clandestins dans des trains, avec comme seul bagage un vieux chiffon. Leur dévotion est totale. Partout des haut-parleurs donnent des ordres. Un mendiant fou mange son dahl sur le plancher au milieu d’un temple. Il parle tout seul et je l’enregistre discrètement. Je ne comprends rien à ce qu’il me dit, mais j’adore sa voix basse et granuleuse. L’autre nuit je me suis perdu dans les petites rues sans lumières de Benares. Je m’assois ici, juste à côté de cette silhouette qui dort sur le bord. Elle me protège des meutes de chiens errants qui se disputent les territoires. La nuit appartient aux chiens. Chaque jour je fais des rêves très marquants. Cette ville me fait halluciner.

Quelques mois d’errance en Inde du Nord à me laisser porter au fil des sons et des ambiances dans lesquelles m’ont plongé les villes dites sacrées comme Haridwar, Pushkar ou encore Benares (Varanasi). La ferveur religieuse de la population, au quotidien, était palpable. Un heureux hasard du calendrier m’a permis de me retrouver sur place au moment du Kumbh Mela, rassemblement religieux organisé tous les douze ans. Cent millions de dévots, déversés par des trains, s’agglutinent sur les rives du Gange. La ferveur religieuse y devient une fièvre collective, démesurée et extrême.

Mon voyage s’est poursuivi dans le désert du Thar à la frontière entre l’Inde et le Pakistan. « Des haut-parleurs se font la guerre entre Allah et Shiva ». Il m’est interdit d’aller au Pakistan alors je pars pour Varanasi qui est considérée comme l’une des cités les plus anciennement habitées du monde. Surnommée « Ville de la mort », l’endroit ne laisse pas indemne. À la vue de tous, les corps y sont brûlés par centaines. Les cérémonies de crémation rythment les journées. Odeurs et sons de la mort, étrangement, font ici partie de la vie.

De retour à Montréal, je me replonge dans les enregistrements sonores comme un carnet de voyage. J’écoute et je laisse revenir l’expérience de ces scènes passées. L’écriture musicale nait par elle-même, je n’ai qu’à laisser les sons enregistrés exister pour qu’ils me suggèrent d’eux-mêmes leur développement musical. La trace des expériences intensifiées du sacré que l’Inde m’a inspiré est tellement forte que j’ai le sentiment d’être au service d’une œuvre qui ne m’appartient pas complètement.

Program note

EN //

There is the cremation fire. I watch the dogs fighting among themselves for a piece of arm or leg. Just in front, the pilgrims advance by hundreds on the ghats to dive into this opaque water. I advance with the others in the Ganga’s sacred liquid and my feet slide on the slimy stone. I try not to lose my balance with one arm, while the other holds a microphone to record the prayer of the devotees. Some of them have travelled from the south to get here. Often on foot and as stowaways on trains, with their only baggage being an old rag. Their devotion is total. Everywhere loud speakers give orders. A crazy beggar eats his dahl on the floor in the middle of the temple. He talks to himself and I discreetly record him. I don’t understand anything that he says to me, but I love his low and grainy voice. The other night I got lost in the small unlit streets of Benares. I sit here, next to this silhouette sleeping on the side. It protects me from the packs of stray dogs who fight for their territories. The night belongs to the dogs. Every day, I have very striking dreams. This city makes me hallucinate.

Some months of wandering in North India carried me through the sounds and ambiance in which the cities known as sacred such as Haridwar, Pushkar or even Benares (Varanasi) immersed me. The daily religious fervor of the population was tangible. A fortunate coincidence allowed me to be present at the moment of the Kumbh Mela, the religious gathering organized every twelve years. After pouring out of trains, hundreds of millions of devotees are packed together on the banks of the Ganga. The religious fervor becomes a collective, excessive and extreme fever.

My travels continued in the Thar Desert to the border between India and Pakistan. “Loud speakers are at war between Allah and Shiva.” I am prohibited from going to Pakistan so I leave for Varanasi, considered one of the oldest inhabited cities in the world. Known as the “City of death”, the place doesn’t leave anyone unscathed. In view of everyone, the bodies are burned by the hundreds. The cremation ceremonies give rhythm to the days. Here smells and sounds of death, strangely, are part of life.

Félix-Antoine Morin - Le jeu des miroirs de Kali - India 2013

Back in Montreal, I reimmerse myself in the sound recordings like one would in a travel journal. I listen and relive the experiences of these past scenes. The musical writing comes into being by itself, I just have to let the recorded sounds exist for them to suggest their musical development. The inspiration that I received from the sacred and intense experiences in India is so strong that I have the feeling of being at the service of a work that doesn’t completely belong to me.

Entrevue de Martin Bédard avec Félix-Antoine Morin pour l’album « Le jeu des miroirs de Kali » 

Cartilages vrombissants / Installation sonore immersive


La musique des moines Tibétains (Bön, prononcer beun) par exemple puise du silence une partie de son inspiration. Pendant la méditation qui peut durer des heures, la qualité auditive des moines s’aiguise jusqu’à s’ouvrir à tous les des sons ambiants habituellement difficiles à percevoir, comme les bruits internes de leur propre corps (cartilages, organes, respirs, afflux sanguin). Leur musique traditionnelle sacrée est une exemplification de cette expérience sonore intime générée par la méditation.

Inspiré par cette expérience de l’accès au sonore que contient le silence, j’ai décidé d’utiliser des appareils d’enregistrement pour aller “lire à la loupe” les supposés silences d’espaces abandonnés. J’ai donc fait la capture sonore (et utilisé certaines de mes archives) de lieux qui semblent a priori silencieux, tels que gymnase, musée (NY), studio de boxe, temples (Inde), tunnels (Wellington), cages d’escalier, désert du Thar (Inde-Pakistan), couloirs, stationnements intérieurs et autre lieux “vides”. Captés par des appareils d’enregistrements puissant, les silences, plusieurs fois amplifiés, se sont révélés riches et complexes.

Présentée dans cet endroit lui aussi abandonné et vide – un ancien salon de message érotique – cet installation vient ré-exposer les détails des silences de ces enregistrements. Pour chacune des pièces de l’espace, un environnement sonore particulier. Cependant, selon la position où l’on se trouve, ces différents environnements s’entre-croisent également et se contaminent les uns les autres dans un jeu psychoacoustique. En référence au principe des “room tones” en cinéma qui consiste à ajouter un espace sonore de fonds pour qu’une scène ne soit pas totalement silencieuse,  cet installation comble le silence de cet espace abandonné en y exposant les “silences révélés” des autres lieux vides que j’ai enregistrés.


The music of Tibetan monks (Bön, pronounce beun) for example draws some of his inspiration from silence. During meditation that can last for hours, the auditory quality of the monks sharpens to open up to all the ambient sounds usually difficult to perceive, such as the internal noises of their own body (cartilage, organs, breaths, influx blood). Their sacred traditional music is an exemplification of this intimate sound experience generated by meditation.

Inspired by this experience of access to the sound contained in silence, I decided to use recording devices to “read through the magnifying glass” the supposed silences of abandoned spaces. So I made the sound capture (and used some of my archives) of places that seem a priori silent, such as gym, museum (NY), boxing studio, temples (India), tunnels (Wellington), cages of stairs, Thar desert (India-Pakistan), corridors, indoor parking and other “empty” places. Captured by powerful recording devices, the silences, several times amplified, proved to be rich and complex.

Presented in this place, also abandoned and empty – an old erotic message room – this installation re-exposes the details of the silences of these recordings. For each room in the space, a particular sound environment. However, depending on where you are, these different environments also intersect and contaminate each other in a psychoacoustic game. Referring to the principle of “room tones” in cinema which consists in adding a sound space of funds so that a scene is not totally silent, this installation fills the silence of this abandoned space by exposing the “revealed silences” of the others empty places that I recorded.

Commissaire : Eric Mattson

Co-concepteur : Kaspar’89

Les 20-21-22 mai 2016 de 17h à 21h, 6827 rue St-Hubert, Mtl

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Stichomythie / mobile sonore


Mobile sonore constitué de deux ventilateurs industriels, ainsi que de plusieurs microphones placés devant chacun d’eux. Chaque microphone “interprète” le son et le souffle envoyé par les machines de manière différente grace à un jeu de distance et par traitements sonore, un peu comme une chorale inversé. Les microphones sont divisés en deux groupes de cinq microphones dont l’interprétation sonore du sujet s’entrecroise, suivant l’activation plus ou moins aléatoire des machines à vent. Il ne s’agit pas seulement de capter le son, mais aussi de jouer avec la physicalité du vent qui frappe directement sur le diaphragme des microphones de manière plus ou moins violente. L’intention est de créer un dialogue en phase, un dialogue non symétrique, qui évolue à la manière d’une stichomythie symbolique, visuelle et sonore.

EN //

Mobile sound consisting of two industrial fans, as well as several microphones placed in front of each one. Each microphone “interprets” the sound and the breath sent by the machines in a different way thanks to a game of distance and sound treatments, a bit like an inverted choir. The microphones are divided into two groups of five microphones whose sound interpretation of the subject intersects, following the more or less random activation of the wind machines. It’s not only about capturing the sound, but also playing with the physicality of the wind that strikes directly on the diaphragm of the microphones in a more or less violent way. The intention is to create a dialogue in phase, a non-symmetrical dialogue, which evolves in the manner of a symbolic stichomythy, visual and sound.

Du 15  au 21 mai 2017, Festival de musique actuelle de Victoriaville

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