Coextensive Ubiquity – Valparaíso / Montréal / Tokyo


Coextensive Ubiquity is a project in which I’m positioned 12 stereo microphones in different areas of a city. Simultaneous sound transmission is then made possible through the use of a special implement. This project goes far beyond music, it is an adventure in sound, an exploration of perception and an experience that concerns itself with the phenomenon of ubiquity.
I gave a concert in December 2017 in Valparaiso (Chile), where I experimented for the first time with my notion of “ubiquitous listening”. I called upon the audience to experience the listening of their city through the multiplied perspective of different sound scenes, all of which were combined to co-exist in a way that escaped the fixed nature of our daily listening which of course remains absorbed in only one situation of place and time.  

To realize this project, I had scattered in the city of Valparaiso several stereo microphones which, like pairs of ears, sent me their signals – soundscapes that I would chance upon at the moment and combine live from my mixing table. The panoramic noise of the city produced a vast field of simultaneous realities: from the loud roar of the sea, and the clamor of fish traders at the markets, to much more intimate details such as that of doors as they creaked, and seagulls as their wings flapped in the air.

This way of working with different scenes and sonic proportions is risky for any composer who is used to working with fixed sounds, but it opens the door to new possibilities and perceptual experiences. Musique concrète, in the vein of which I associate with this project, allows the composer to play with time, to transgress it and to reconstruct it. Through this creative process, by means of simultaneous sound transmission, our relation to the present is brought to a new dimension. As I experiment with the vastly different sound perspectives that are afforded through the phenomenon of ubiquity, I am attentively shaping the contrasts that emerge. I am able to combine site transmissions that bear radically divergent proportions – individual soundscapes that tend to offer a very dynamic range from the barely audible to the deafening, as well as soundscapes that sound more or less distant in the geography of the city. I believe that the principal point of interest of having the technical ability to combine live site transmissions is that it permits a conceptualization of sound composition as a form of storytelling where numerous narratives are suddenly capable of being juxtaposed together. Furthermore, simultaneous sound transmissions grant the composer the ability to occupy a double role: that of spectator because he must discover the sounds live, and that of composer because he then must organize and link the scenes.

At the beginning of 2019, I will work for three months on this project and with this device of simultaneous transmission of sound with the city of Tokyo at the Tokyo Arts and Space (TOKAS). I will also work with other composers located in other countries and to whom I have proposed to send them the sound signals that I will collect, at specific times beforehand, so that they interpret them in their own way and organize them in their turn in a musical work that would be marked this time with their own poetics. What interests me about involving artists from different countries is the duplication of the principle of ubiquity. These real-time diffusions will occur at predetermined times and allow them to interpret the simultaneous transmissions in their own way, organizing and processing them into musical works that bear their own individual aesthetics. In Montreal Maxime Corbeil-Perron, Alexander Wilson in Copenhagen, Lionel Marchetti in France, Hanna Hartman in Berlin, Sara Magnan in Mexico, Vanessa Massera in Stockholm and Pierre Alexandre Tremblay in England. The works of each artist will be recorded and made available to the public thus eventually allowing people to hear how each one was able to recompose according to his/her own personal sensitivity a “sound reality” that is unique yet shared at their foundation. This idea of collaboration seems to me a logical extension a research, which questions precisely the notions of simultaneity, distance and perception.

Coextensive Ubiquity @ Tokyo art and space OPEN STUDIO (Félix-Antoine Morin)

Coextensive Ubiquity @ Tokyo art and space OPEN STUDIO 2019


Coextensive Ubiquityは、都市のさまざまな場所に12個のステレオマイクを配置したプロジェクトです。それから同時音伝達は特別な用具の使用によって可能にされる。このプロジェクトは音楽をはるかに超えています。それは音の冒険、知覚の探求、そしてユビキタスの現象に関係する経験です。私は201712月にバルパライソ(チリ)でコンサートを行いました。そこで私は「ユビキタスリスニング」の概念で初めて実験しました。私は聴衆に、さまざまなサウンドシーンの多様な視点を通して彼らの街のリスニングを体験することを呼びかけました。場所や時間の状況。


さまざまなシーンや音のプロポーションで作業するこの方法は、固定サウンドで作業することに慣れている作曲家にとって危険ですが、それは新しい可能性と知覚的経験への扉を開きます。私がこのプロジェクトに関連付けているのと同じ意味で、音楽コンクレートは作曲家が時間をかけて演奏し、それを超越し、それを再構築することを可能にします。この創造的な過程を通して、同時の音の伝達によって、私たちの現在との関係は新しい次元にもたらされます。ユビキタス現象によってもたらされる、大きく異なる音の観点を試してみると、現れるコントラストを注意深く形作っています。私は根本的に発散する比率を帯びたサイト伝送 – ほとんど聞こえないものから耳が聞こえないものまで非常にダイナミックな範囲を提供する傾向がある個々のサウンドスケープと都市の地理的に多少遠くに聞こえるサウンドスケープを組み合わせることができます。ライブサイトの伝送を組み合わせる技術的能力を持つことの主な関心点は、それが数多くの物語が突然並置されることが可能であるストーリーテリングの形態としての健全な構成の概念化を可能にすることであると私は思う。さらに、同時音声伝送は作曲家に二重の役割を果たす能力を与える。彼は生きている音を発見しなければならないので観客の役割を果たし、その後シーンを組織化してリンクしなければならないので作曲家の役割を果たす。

2019年の初めに、私はこのプロジェクトと、東京都との東京との同時音響伝達装置(TOKAS)を使って3ヶ月間仕事をします。私は他の国々にいる他の作曲家とも一緒に働き、私が集めることになっている音響信号を事前に特定の時間に送って彼らが自分たちのやり方でそれらを解釈して順番に整理するよう提案します。彼ら自身の詩で今度マークされるであろう音楽作品。異なる国のアーティストを巻き込むことについて私が興味を持っているのは、ユビキタスの原則の複製です。これらのリアルタイムの拡散は予め決められた時間に起こり、それらが彼ら自身のやり方で同時伝送を解釈し、それらをそれら自身の個々の美学を担う音楽作品に編成しそして処理することを可能にする。モントリオールのMaxime Corbeil-Perron、コペンハーゲンのAlexander Wilson、フランスのLionel Marchetti、メキシコのSara Magnan、ストックホルムのVanessa Massera、イギリスのPierre Alexandre Tremblay。各アーティストの作品は記録され、一般に公開されます。したがって、最終的には各自が自分の個人的な感性に応じて、独自でありながらその基礎で共有される「健全な現実」を再構成することができました。このコラボレーションのアイデアは、私にとって論理的な拡張であり、同時性、距離、そして認識という概念に正確に疑問を投げかけるものです。

Coextensive Ubiquity (sound & media art) - Félix-Antoine MorinCoextensive Ubiquity - Félix-Antoine Morin (Montreal, Canada)











Le jeu des miroirs de Kali


[KOHL038] (2018)

Composé entre 2013 et 2017 à partir d’enregistrements faits en Inde du nord en 2013
Mastering : Stéphane Claude (OBORO)

En version digitale ou CD (édition limitées 200 copies) ici:

“ … the way Morin created his composition is something of a delight. There is a great flow between the three elements, slowly shifting back and forth between one or the other, an effective use of volume control is in place and via quick editing the sound can change radically in a split second, bringing out an excellent abstract narrative. Record of the week, should we do that sort of thing. “
Frans de Waard, Vital Weekly, Amsterdam, Netherlands, February 13th 2018

“ Le jeu des miroirs de Kali est sans contredit l’album le plus particulier que nous avons traité jusqu’à présent sur le site, il se positionne à mi-chemin entre la bande sonore et l’expérimentation auditive. Préparez-vous pour un périple musical extrêmement imagé qui saura jongler avec votre perception des sons et des cultures.”
William Paulhus, Mes enceintes font défaut, Montréal 19 Février 2018

“… Au final, « Le jeu des miroirs de Kali » est un album audacieux, mature et réussi. Si le compositeur Félix-Antoine Morin n’avait qu’un seul opus à composer de sa vie, il peut à présent dormir en paix.”
Pierre-Luc Senécal, Journal VOIR, 22 mars 2018

“… On s’immerge complètement dans le décor sonore du compositeur, évocatrices scènes liées entre elles par d’harmonieuses nappes de claviers…”
Philippe Renaud, Le Devoir, 26 février 2018

“… Indeed there is a strong narrative thread throughout, with quite strong contrasts in timbre and tone, along with symphonic crescendoes of emotional grandeur. (…) the work is very well crafted and there’s no doubting the sincerity of the composer’s intent. Unlike his more abstract electroacoustic brethren, Morin isn’t just interested in transforming sounds for their own sake, and clearly aims to reveal truths and shared experiences in his work…”
The Sound Projector, London, United Kingdom, 27th February 2018

“ Pour continuer le voyage dans les bas-reliefs d’un paysage sonore, un monde en soi, un voyage auditif en poussières texturées, temples explosés en un nuage binaire, chiens disparaissant en écho derrière leurs hurlements, bactérie mangeuse de réel en arrière des rickshaws qui s’éloignent, chants venus de dieu et qui y retournent après des loops dans une cage thoracique, une gorge et une envolée, voici une oeuvre forte de Félix-Antoine Morin.  Il avait fait jouer ses « fields recording » dans un restaurant indien de Montréal, fallait y être.  Divers sons puisés en Inde que voici organisés en une fresque épique, car il a l’âme sublime.  Jette un flou dans tes cartographies par l’élan sublime d’une audiofaction…  Fais le silence autour, allonge-toi, détend-toi, PLAY, pars en voyage.” Maelstrom Maom, écrivain, Montréal 2018


“… Il nous emmène à travers un curieux cahier de voyage en Inde du Nord, présenté sous forme de deux tableaux qui mêlent des sons captés sur place pendant près de trois mois et combinés à des sons électroacoustiques, parfois simplement sous-tendus, parfois enveloppant et masquant progressivement la source originelle. Un jeu de va-et-vient constant propre à susciter un récit, souvent onirique… “ Revue & Corrigée, France, sept 2018

Entrevue de Martin Bédard avec Félix-Antoine Morin pour l’album « Le jeu des miroirs de Kali » 



Cartilages vrombissants / Installation sonore immersive




La musique des moines Tibétains (Bön, prononcer beun) par exemple puise du silence une partie de son inspiration. Pendant la méditation qui peut durer des heures, la qualité auditive des moines s’aiguise jusqu’à s’ouvrir à tous les des sons ambiants habituellement difficiles à percevoir, comme les bruits internes de leur propre corps (cartilages, organes, respirs, afflux sanguin). Leur musique traditionnelle sacrée est une exemplification de cette expérience sonore intime générée par la méditation.

Inspiré par cette expérience de l’accès au sonore que contient le silence, j’ai décidé d’utiliser des appareils d’enregistrement pour aller “lire à la loupe” les supposés silences d’espaces abandonnés. J’ai donc fait la capture sonore (et utilisé certaines de mes archives) de lieux qui semblent a priori silencieux, tels que gymnase, musée (NY), studio de boxe, temples (Inde), tunnels (Wellington), cages d’escalier, désert du Thar (Inde-Pakistan), couloirs, stationnements intérieurs et autre lieux “vides”. Captés par des appareils d’enregistrements puissant, les silences, plusieurs fois amplifiés, se sont révélés riches et complexes.

Présentée dans cet endroit lui aussi abandonné et vide – un ancien salon de message érotique – cet installation vient ré-exposer les détails des silences de ces enregistrements. Pour chacune des pièces de l’espace, un environnement sonore particulier. Cependant, selon la position où l’on se trouve, ces différents environnements s’entre-croisent également et se contaminent les uns les autres dans un jeu psychoacoustique. En référence au principe des “room tones” en cinéma qui consiste à ajouter un espace sonore de fonds pour qu’une scène ne soit pas totalement silencieuse,  cet installation comble le silence de cet espace abandonné en y exposant les “silences révélés” des autres lieux vides que j’ai enregistrés.


The music of Tibetan monks (Bön, pronounce beun) for example draws some of his inspiration from silence. During meditation that can last for hours, the auditory quality of the monks sharpens to open up to all the ambient sounds usually difficult to perceive, such as the internal noises of their own body (cartilage, organs, breaths, influx blood). Their sacred traditional music is an exemplification of this intimate sound experience generated by meditation.

Inspired by this experience of access to the sound contained in silence, I decided to use recording devices to “read through the magnifying glass” the supposed silences of abandoned spaces. So I made the sound capture (and used some of my archives) of places that seem a priori silent, such as gym, museum (NY), boxing studio, temples (India), tunnels (Wellington), cages of stairs, Thar desert (India-Pakistan), corridors, indoor parking and other “empty” places. Captured by powerful recording devices, the silences, several times amplified, proved to be rich and complex.

Presented in this place, also abandoned and empty – an old erotic message room – this installation re-exposes the details of the silences of these recordings. For each room in the space, a particular sound environment. However, depending on where you are, these different environments also intersect and contaminate each other in a psychoacoustic game. Referring to the principle of “room tones” in cinema which consists in adding a sound space of funds so that a scene is not totally silent, this installation fills the silence of this abandoned space by exposing the “revealed silences” of the others empty places that I recorded.

Commissaire : Eric Mattson

Co-concepteur : Kaspar’89

Les 20-21-22 mai 2016 de 17h à 21h, 6827 rue St-Hubert, Mtl

 – Lien vidéo – 


Le Devoir Les voix du silence
20 mai 2016 | Jérôme Delgado |
“Bruits inaudibles, sons industriels, chants du désert: des musiques inédites tirées d’enregistrements de terrain résonneront ce week-end” LIRE

india Félix-Antoine Morin Devoir





Stichomythie / mobile sonore

Mobile sonore constitué de deux ventilateurs industriels, ainsi que de plusieurs microphones placés devant chacun d’eux. Chaque microphone “interprète” le son et le souffle envoyé par les machines de manière différente grace à un jeu de distance et par traitements sonore, un peu comme une chorale inversé. Les microphones sont divisés en deux groupes de cinq microphones dont l’interprétation sonore du sujet s’entrecroise, suivant l’activation plus ou moins aléatoire des machines à vent. Il ne s’agit pas seulement de capter le son, mais aussi de jouer avec la physicalité du vent qui frappe directement sur le diaphragme des microphones de manière plus ou moins violente. L’intention est de créer un dialogue en phase, un dialogue non symétrique, qui évolue à la manière d’u
ne stichomythie symbolique, visuelle et sonore.

EN //
Mobile sound consisting of two industrial fans, as well as several microphones placed in front of each one. Each microphone “interprets” the sound and the breath sent by the machines in a different way thanks to a game of distance and sound treatments, a bit like an inverted choir. The microphones are divided into two groups of five microphones whose sound interpretation of the subject intersects, following the more or less random activation of the wind machines. It’s not only about capturing the sound, but also playing with the physicality of the wind that strikes directly on the diaphragm of the microphones in a more or less violent way. The intention is to create a dialogue in phase, a non-symmetrical dialogue, which evolves in the manner of a symbolic stichomythy, visual and sound.




Du 15  au 21 mai 2017, Festival de musique actuelle de Victoriaville



Carrousel / commande de composition pour table de babel


table_de_babelCommissioned piece (including media and score) for the Table of Babel. Invented instrument produced by the instrumentarium at Productions Totem Contemporain. Studio Residency at HELLERAU – European Center for the Arts Dresden- Germany,  from october 15th to december 15th 2015. World premiere will be held on 4 June, 2016 at the Les Totems Électriques VIII concert in Montreal.

Commande de composition pour table de Babel, bande et traitement numérique. La composition de cette pièce a débuté par une résidence de création au Festspielhaus Hellerau de Dresde en Allemagne à l’automne dernier. Malgré un travail étalé sur plusieurs mois de l’oeuvre de 20 minutes, Carrousel est une pièce toute simple pour laquelle j’ai fais le pari de travailler avec la tonalité et le rythme, une approche plutôt risquée avec l’instrumentarium de Totem Contemporain. Chose un peu dangereuse aussi est la portion bande qui est constituée de pistes enregistrées l’une après l’autre en temps réel. La plupart du temps, j’ai essayé de conserver la première prise, d’où le côté un peu “fragile” mais à mon sens plus “sincère” de la portion Bande. Au fond, cette pièce pourrait très bien être joué par un ensemble instrumental (Gamelans, percussions, violoncelle, contrebasse, guitare et bruiteur) avec comme soliste l’interprète à la Table de Babel. Le titre Carrousel vient de l’imaginaire visuel un peu nostalgique qui s’est formé dans ma tête lors de son écriture. C’est un peu comme un gros Carrousel qui change de vitesse et tombe en ralenti à certains moments. Le vidéo clip existe déjà dans ma tête, reste plus qu’à le filmer en 8mm…


– 2016, 4 juin 16h30, Les Totems Électriques VIII, salle multimedia du CMM, 4750 Avenue Henri Julien, Montréal









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