Le jeu des miroirs de Kali – album (2018)

 

[KOHL038] (2018)

Composé entre 2013 et 2017 à partir d’enregistrements faits en Inde du nord en 2013
Mastering : Stéphane Claude (OBORO)

En version digitale ou CD (édition limitées 200 copies) ici:
http://kohlenstoff.ca/album/le-jeu-des-mirroirs-de-kali

 

Note de programme

FR //

Il y a le feu de crémation. Je regarde les chiens se battre pour un bout de bras ou de jambe. Juste en avant les pèlerins avancent par centaines sur les ghâts pour plonger dans cette eau opaque. J’avance avec les autres dans ce liquide sacré du Gange et mes pieds glissent sur la pierre visqueuse. J’essaie de ne pas perdre l’équilibre d’un bras, de l’autre je tiens un micro qui enregistre la prière des dévots. Certains ont fait le voyage depuis le sud pour se rendre jusqu’ici. Souvent à pied et comme clandestins dans des trains, avec comme seul bagage un vieux chiffon. Leur dévotion est totale. Partout des haut-parleurs donnent des ordres. Un mendiant fou mange son dahl sur le plancher au milieu d’un temple. Il parle tout seul et je l’enregistre discrètement. Je ne comprends rien à ce qu’il me dit, mais j’adore sa voix basse et granuleuse. L’autre nuit je me suis perdu dans les petites rues sans lumières de Benares. Je m’assois ici, juste à côté de cette silhouette qui dort sur le bord. Elle me protège des meutes de chiens errants qui se disputent les territoires. La nuit appartient aux chiens. Chaque jour je fais des rêves très marquants. Cette ville me fait halluciner.

Quelques mois d’errance en Inde du Nord à me laisser porter au fil des sons et des ambiances dans lesquelles m’ont plongé les villes dites sacrées comme Haridwar, Pushkar ou encore Benares (Varanasi). La ferveur religieuse de la population, au quotidien, était palpable. Un heureux hasard du calendrier m’a permis de me retrouver sur place au moment du Kumbh Mela, rassemblement religieux organisé tous les douze ans. Cent millions de dévots, déversés par des trains, s’agglutinent sur les rives du Gange. La ferveur religieuse y devient une fièvre collective, démesurée et extrême.

Mon voyage s’est poursuivi dans le désert du Thar à la frontière entre l’Inde et le Pakistan. « Des haut-parleurs se font la guerre entre Allah et Shiva ». Il m’est interdit d’aller au Pakistan alors je pars pour Varanasi qui est considérée comme l’une des cités les plus anciennement habitées du monde. Surnommée « Ville de la mort », l’endroit ne laisse pas indemne. À la vue de tous, les corps y sont brûlés par centaines. Les cérémonies de crémation rythment les journées. Odeurs et sons de la mort, étrangement, font ici partie de la vie.

De retour à Montréal, je me replonge dans les enregistrements sonores comme un carnet de voyage. J’écoute et je laisse revenir l’expérience de ces scènes passées. L’écriture musicale nait par elle-même, je n’ai qu’à laisser les sons enregistrés exister pour qu’ils me suggèrent d’eux-mêmes leur développement musical. La trace des expériences intensifiées du sacré que l’Inde m’a inspiré est tellement forte que j’ai le sentiment d’être au service d’une œuvre qui ne m’appartient pas complètement.


Program note

EN //

There is the cremation fire. I watch the dogs fighting among themselves for a piece of arm or leg. Just in front, the pilgrims advance by hundreds on the ghats to dive into this opaque water. I advance with the others in the Ganga’s sacred liquid and my feet slide on the slimy stone. I try not to lose my balance with one arm, while the other holds a microphone to record the prayer of the devotees. Some of them have travelled from the south to get here. Often on foot and as stowaways on trains, with their only baggage being an old rag. Their devotion is total. Everywhere loud speakers give orders. A crazy beggar eats his dahl on the floor in the middle of the temple. He talks to himself and I discreetly record him. I don’t understand anything that he says to me, but I love his low and grainy voice. The other night I got lost in the small unlit streets of Benares. I sit here, next to this silhouette sleeping on the side. It protects me from the packs of stray dogs who fight for their territories. The night belongs to the dogs. Every day, I have very striking dreams. This city makes me hallucinate.

Some months of wandering in North India carried me through the sounds and ambiance in which the cities known as sacred such as Haridwar, Pushkar or even Benares (Varanasi) immersed me. The daily religious fervor of the population was tangible. A fortunate coincidence allowed me to be present at the moment of the Kumbh Mela, the religious gathering organized every twelve years. After pouring out of trains, hundreds of millions of devotees are packed together on the banks of the Ganga. The religious fervor becomes a collective, excessive and extreme fever.

My travels continued in the Thar Desert to the border between India and Pakistan. “Loud speakers are at war between Allah and Shiva.” I am prohibited from going to Pakistan so I leave for Varanasi, considered one of the oldest inhabited cities in the world. Known as the “City of death”, the place doesn’t leave anyone unscathed. In view of everyone, the bodies are burned by the hundreds. The cremation ceremonies give rhythm to the days. Here smells and sounds of death, strangely, are part of life.

Félix-Antoine Morin - Le jeu des miroirs de Kali - India 2013

Back in Montreal, I reimmerse myself in the sound recordings like one would in a travel journal. I listen and relive the experiences of these past scenes. The musical writing comes into being by itself, I just have to let the recorded sounds exist for them to suggest their musical development. The inspiration that I received from the sacred and intense experiences in India is so strong that I have the feeling of being at the service of a work that doesn’t completely belong to me.

कार्यक्रम नोट

HIN //

श्मशान अग्नि है। मैं हाथ या पैर के टुकड़े के लिए कुत्तों को आपस में लड़ता हुआ देखता हूँ। बस सामने, तीर्थयात्री इस अपारदर्शी पानी में गोता लगाने के लिए घाटों पर सैकड़ों लोगों द्वारा आगे बढ़ते हैं। मैं गंगा के पवित्र तरल में दूसरों के साथ आगे बढ़ता हूं और मेरे पैर गंदे पत्थर पर फिसलते हैं। मैं एक हाथ से अपना संतुलन नहीं खोने की कोशिश करता हूं, जबकि दूसरा भक्तों की प्रार्थना को रिकॉर्ड करने के लिए एक माइक्रोफोन रखता है। उनमें से कुछ ने यहां पहुंचने के लिए दक्षिण से यात्रा की है। अक्सर पैदल और गाड़ियों पर stowaways के रूप में, उनके एकमात्र सामान एक पुरानी चीर के साथ। उनकी भक्ति कुल है। हर जगह लाउड स्पीकर आदेश देते हैं। एक पागल भिखारी मंदिर के बीच में फर्श पर अपना डाह खाता है। वह खुद से बात करता है और मैं विवेकपूर्वक उसे रिकॉर्ड करता हूं। मुझे कुछ भी समझ नहीं आ रहा है कि वह मुझसे क्या कहे, लेकिन मुझे उसकी नीची और दानेदार आवाज बहुत पसंद है। दूसरी रात मैं बनारस की छोटी-छोटी अनफ़िट गलियों में खो गया। मैं यहाँ बैठा हूँ, बगल में इस सिल्हूट में सो रहा हूँ। यह मुझे उन आवारा कुत्तों के पैक से बचाता है जो अपने क्षेत्रों के लिए लड़ते हैं। रात कुत्तों की है। हर दिन, मेरे पास बहुत हड़ताली सपने हैं। यह शहर मुझे मतिभ्रम बनाता है।

उत्तर भारत में भटकने के कुछ महीनों ने मुझे ध्वनियों और वातावरण के माध्यम से ले जाया जिसमें हरिद्वार, पुष्कर या यहाँ तक कि बनारस (वाराणसी) के रूप में जाने जाने वाले शहरों ने मुझे डुबो दिया। आबादी का दैनिक धार्मिक उत्साह मूर्त था। एक भाग्यशाली संयोग ने मुझे कुंभ मेले के मौके पर उपस्थित रहने की अनुमति दी, हर बारह साल में आयोजित धार्मिक सभा। गाड़ियों से बाहर निकलने के बाद, लाखों भक्त गंगा के किनारे एक साथ पैक किए जाते हैं। धार्मिक उत्साह एक सामूहिक, अत्यधिक और अत्यधिक बुखार बन जाता है।

भारत और पाकिस्तान की सीमा के लिए थार रेगिस्तान में मेरी यात्रा जारी रही। “लाउड स्पीकर अल्लाह और शिव के बीच युद्ध में हैं।” मुझे पाकिस्तान जाने की मनाही है इसलिए मैं दुनिया के सबसे पुराने आबाद शहरों में से एक माने जाने वाले वाराणसी के लिए रवाना होता हूं। “मौत का शहर” के रूप में जाना जाता है, यह जगह किसी को भी नहीं छोड़ती है। सभी को देखते हुए, शवों को सैकड़ों लोगों द्वारा जलाया जाता है। दाह संस्कार समारोह दिनों के लिए लय देते हैं। यहां से बदबू आती है और मौत की आवाजें, अजीब तरह से, जीवन का हिस्सा हैं।

मॉन्ट्रियल में वापस, मैं ध्वनि रिकॉर्डिंग में खुद को पुन: पेश करता हूं जैसे कि एक यात्रा पत्रिका में होगा। मैं इन पिछले दृश्यों के अनुभवों को सुनता हूं और उन पर भरोसा करता हूं। संगीत लेखन अपने आप में अस्तित्व में आता है, मुझे बस उनके संगीत के विकास का सुझाव देने के लिए रिकॉर्डेड ध्वनियों को मौजूद रहने देना है। भारत में पवित्र और गहन अनुभवों से मुझे जो प्रेरणा मिली, वह इतनी मजबूत है कि मुझे ऐसे काम की सेवा में होने का अहसास है जो पूरी तरह से मेरे लिए नहीं है।


Translation by Vikki Kumar

 

 

Entrevue de Martin Bédard avec Félix-Antoine Morin pour l’album « Le jeu des miroirs de Kali » [KOHL 038]

 

Le jeu des miroirs de Kali » est un projet qui va bien au-delà d’une œuvre musicale … c’est une aventure sonore, une expérience personnelle, humaine voir spirituelle au cœur de l’Inde. Pourrais-tu me parler de la genèse et des multiples développements de ce projet de grande envergure ?

À ce moment-là, je ressentais le besoin profond d’un changement dans ma vie, de bouleverser mon quotidien, de quitter mon milieu immédiat et voir autre chose que ce que je connaissais déjà. Je me sentais bloqué à Montréal dans un mode de vie tiède et prévisible. Au niveau musical aussi, j’avais l’impression d’avoir épuisé mes ressources avec les sons qui m’entouraient. Il me fallait prendre une décision radicale pour sortir de cette zone : c’était soit mettre le feu à mon appartement, soit aller à l’autre bout du monde.

Le choix de l’Inde s’est imposé de lui-même. C’est un environnement totalement différent à plein de niveaux : les odeurs, la manière de bouger des gens, de s’exprimer, d’aborder l’existence, de manger, de se comporter en public… Une planète complètement autre qui correspondait exactement à ce dont j’avais besoin à ce moment-là. Je suis arrivé là-bas un peu comme un réfugié avec rien d’autre qu’un passeport, quelques vêtements, une brosse à dent et un appareil d’enregistrement. Avant mon départ, je me sentais désabusé et je n’avais pas d’attentes particulières, si ce n’est un vague espoir de me laisser surprendre. Aujourd’hui, ce voyage que j’ai fait en 2013 me semble être une hallucination éveillée. Quand j’étais là-bas, j’avais toujours un micro qui sortait de mon sac. Au bout des trois mois, j’avais accumulé tellement de sons enregistrés que j’avais de quoi réaliser plusieurs albums… Le disque que j’ai finalement produit développe une esthétique plutôt sombre car c’est mon “mood” et mon langage musical le plus intuitif mais l’expérience vécue en Inde a été l’une des plus extatiques et positives de ma vie.

Il est difficile de rendre pleinement compte en mots ou en musique de la totalité de cette expérience. Certains décrivent leur ressenti de l’Inde comme un “sentiment océanique”. Je crois que ce terme est plutôt juste. À un certain moment, j’ai eu envie de déchirer mon billet de retour et de vendre mon passeport pour y rester définitivement. Certains l’ont fait. Il existe même des organismes qui vont chercher de jeunes Israéliens qui s’y sont réfugiés une fois libérés de leur service militaire de trois ans, et qui ont décidé d’y rester pour faire une rupture définitive avec le lavage de cerveau qu’ils ont subi en Israël. En fait, le vrai choc culturel est surtout lorsqu’on revient dans son « milieu d’origine » et que l’on prend conscience de la force du formatage auquel nous sommes soumis. En Inde, le contrôle des masses passe surtout par la croyance religieuse . En occident, le phénomène est beaucoup plus organisé et insidieux parce que tout contribue à vider nos vies de leurs sens.

Pourrais-tu expliquer le titre du projet : « Le jeu des miroirs de Kali ». En cherchant une définition, je suis tombé là-dessus mais tu peux certainement m’en dire plus !
« (en sanskrit 
काली (Kālī) ou कालिका (Kālikā)) est, dans l’hindouisme, la déesse de la préservation, de la transformation et de la destruction1C’est une forme terrifiante de Pārvatī représentant le pouvoir destructeur du temps2. Son nom dérive du mot kāla, le temps en sanskrit, celui qui détruit toute chose. Celui qui la vénère est libéré de la peur de la destruction. Elle détruit le mal sous toutes ses formes et notamment les branches de l’ignorance (avidyā), comme la jalousie ou la passion »

Kali est en effet une déesse très importante dans l’hindouisme. Elle est représentée comme un personnage bleu qui tire la langue et possède plusieurs paires de bras. Il y a des centaines de dieux et déesses dans cette religion polythéiste, mais étrangement tout au long de mon expérience, c’est l’image de Kali qui revenait tout le temps. En discutant avec des indiens, j’ai compris qu’elle représentait les principes de transformation et de destruction qui correspondaient justement à l’état dans lequel j’étais avant mon départ et à ce que je recherchais à ce moment-là. Ces mêmes principes se retrouvent à plusieurs moments dans mon album. Cela est dû d’abord à un effet de mimétisme sonore lorsque par exemple un son de synthétiseur reprend le hurlement d’un chien ou que le son d’une flûte à serpent se transforme en celui d’un convoi d’abeillesD’où cette idée de jeu de miroirs qui déforme la réalité et finit par la transformer complètement en montrant l’angle de réflexion asymétrique d’une même réalité. Il y a en effet quelque chose de très psychédélique dans l’air des villes sacrées telles que Benares. On a parfois l’impression de perdre contact avec la réalité tellement nos repères habituels sont effacés. On peut aussi avoir la sensation que les indiens ont accès à des réalités autres que la réalité matérielle à laquelle nous, occidentaux, nous raccrochons constamment. Pour les indiens, la matérialité n’est qu’une illusion car selon leur représentation, tout peut changer, tout est sujet à mutation, tout est malléable et réversible.

Je sais que l’œuvre a subi quelques changements (principalement dans son montage) depuis sa création, il y a deux ans. J’en connais trois versions. Aurais-tu quelques précisions à ce sujet ?

La réalisation d’un album est un combat avec soi-même. Il faut prendre des milliers de décisions, tout en ayant une vision d’ensemble d’ordre plus conceptuel. Je voulais dès le départ que l’album consiste en une seule pièce évolutive de 40-50 minutes, un peu comme un film moyen métrage. Les bases de la première version viennent d’une improvisation que j’ai faite lors d’un concert avec l’utilisation de paysages sonores enregistrés. Je conservais les “erreurs” d’enregistrement tel que le vent qui tape dans le micro ou mon matériel qui frotte sur l’appareil. J’aime bien ce type de sons que les compositeurs cherchent généralement à supprimer. Ils sont souvent très riches en dynamique et ces erreurs contribuent au propos documentaire de l’album.

Pour la première version fixée, j’ai vraiment enfilé mes gants de compositeur. J’ai présenté le résultat lors d’une série de concerts organisée par Eric Mattson, dont le thème était Les voisins. L’idée de cette série de concerts était de les présenter dans des lieux plus ou moins intimes, en dehors des salles de concert. J’ai donc diffusé cette première version dans un restaurant indien typique de parc-extension à Montréal. C’était une expérience un peu “awkward”; les gens mangeaient leurs thalis avec une musique psychédélique jouée à fond la caisse. En entendant cela, les cuisiniers indiens du restaurant ont lâché leurs casseroles et sont entrés dans la salle pour essayer de comprendre ce qui se passait… Pourquoi tous ces curieux écoutent-ils cette musique qui mélange bruits et sons enregistrés en Inde? Mais le vin coulait à flot et je crois que certains ont apprécié le concept.

Pour la deuxième version, j’ai travaillé durant deux ans en me disant que c’était ma chance de faire un album vraiment ciselé. Les paysages sonores trop “imparfaits” sont passés à l’arrière-plan et je me suis engagé dans une entreprise de composition parfois très « rangée »… Il y a quelque chose de charmant dans le déséquilibre, le désordre et la perte de contrôle en composition. Cela donne l’impression que la musique a été composée de manière soudaine. Et les premières idées, celles qui nous viennent intuitivement sans se poser trop de questions sont souvent les meilleures. À force de ré-écrire chaque son, cette deuxième version m’a en quelque sorte glissé entre les doigts et j’ai fini par perdre une partie de l’essence de l’album et surtout l’idée compositionnelle de base : celle de lasser les enregistrements guider l’écriture.

Pour la version finale je suis donc reparti de ma première version en remettant les paysages sonore à l’avant-plan. En écho au rôle crucial que la religion occupe en Inde, j’ai aussi cherché via la figure de Kali à utiliser mes éléments sonores de manière à ce qu’ils agencent une sorte de dispositif qui convoque la musique plutôt qu’il ne la déterminerait.

Ton œuvres s’insère effectivement dans une pensée horizontale de la musique. Écriture en strates (superpositions de couches sonores), œuvre dense et orchestrée. Peu de fragmentation dans le discours (donc de verticalité). Cette conception horizontale est au service de quelle poétique, de quels objectifs artistiques secrets ?

Un peu à la manière dont certains utilisent le rythme, j’ai souvent besoin de m’appuyer sur un “fond sonore” qui installe des bases dès le début. Un peu comme en peinture aussi lorsqu’un artiste débute sa toile en la salissant ou en créant un lavis dans lequel il verra apparaitre par la suite les premières formes. L’utilisation de sons continus (ou “drone” dans le jargon des musiciens) sert aussi à connecter entre eux l’ensemble des éléments sonores. Mais ces nappes tenues installent une tension, et cette tension a besoin d’être en mouvement, d’évoluer, de vivre et de s’éteindre éventuellement. On peut la comparer à une entité biologique qui se nourrit de son entourage, qui donne, qui reçoit et au final va au bout de sa propre détermination. Mais comme toute forme de vie, elle est impermanente, sa nature détermine la manière dont elle disparaîtra, soit par destruction, essoufflement ou encore dans une mort tranquille et sereine. Les excitations sonore courtes et nerveuses me fatigue, j’ai besoin d’installer un éclairage et de laisser aux sons le temps d’exister.

D’ailleurs le temps occupe une place importante dans tes projets. La durée de tes œuvres est substantielle par moment (la notion de rituel pourrait être en cause ici!) et je ressens malgré certains passages qui s’inscrivent dans un temps réel (voir documentaire) une proposition temporelle onirique, dilatée voir irréelle. Parle-moi de ce souci pour le temps dans ton travail ?

Ça a beaucoup de sens pour moi de travailler sur une longue période et sur des oeuvres elles aussi assez longues. Si nos limites physiques (et sociales) ne nous empêchaient pas d’apprécier une oeuvre de plus de trois heures, j’irais facilement dans cette direction-là. Les pièces longues et évolutives permettent de se perdre dans un univers onirique justement. Mais le fait d’écrire ou d’écouter une longue pièce est aussi un luxe, surtout à l’époque du déficit d’attention généralisé. La composition d’une oeuvre longue permet surtout d’installer un univers plus riche et de prendre le temps qu’il faut pour le parcourir et lui laisser dire ce qu’il a à dire. Il faut y plonger, essayer d’ouvrir quelques portes et perdre parfois la notion du temps.

Les notions de lieux, de territoires, de « géographies » habitent ton travail d’installations et de performances et ce depuis des années. Ici, avec « Le jeu des miroirs de Kali » c’est encore très présent. Par la notion de lieux, je sens que cette œuvre s’inscrit dans une continuité thématique avec d’autres de tes œuvres. Qu’en penses-tu?

C’est un fantasme que j’ai depuis assez longtemps que de faire ce que j’appelle de la “musique géographique”. Ça s’est traduit d’abord avec la reconstruction symbolique d’un espace avec la pièce Feed Metal Dirt, ou d’un quartier entier avec Occupy the ghosts of Griffintown présenté lors d’un concert extérieur dans le même quartier où ont été enregistrés les sons. L’album Le jeu des Miroirs de Kali était la suite naturelle de cette démarche. Je dis fantasme parce qu’il est impossible de vraiment reproduire un espace ou un lieu géographique. Le médium utilisé agit nécessairement comme filtre à la réalité et ce qui est présenté au final est une perception très personnelle de l’artiste.

Depuis quelque temps je travaille sur un projet – Coextensive Ubiquity – qui traite justement de la perception et de la représentation des espaces sonores réels. Ceux-ci sont captés à différents endroits et envoyés en temps réel sur des pistes séparées dans un séquenceur. Avec ce dispositif sonore, je m’approche beaucoup plus d’une musique géographique véritable, mais c’est assez extrême comme idée et pour que ça fonctionne, les choix artistiques doivent se faire à d’autres niveaux beaucoup plus conceptuels… J’en ai pour des années à travailler là-dessus!

Justement depuis quelques temps, ton travail est passé d’une pratique basée sur le support fixe (œuvre électroacoustique) vers un travail axé davantage sur l’installation sonore et la performance. Puisque Le jeu des miroirs de Kali est un travail sur support, en quoi ces pratiques nouvelles influencent ton travail sur support ?

Et bien les trois mondes, celui du support fixe, celui de l’installation sonore et de la performances en concert, plutôt que de s’influencer, ont tendance à prendre des rôles de plus en plus différents dans ma pratique. En studio j’ai l’impression de travailler à la manière d’un architecte devant sa planche à dessins, avec d’une main un crayon et de l’autre la gomme à effacer. C’est un peu comme de la recherche scientifique basé sur le principe d’essais-erreurs. Le fait de diffuser cette musique dans le noir dans un contexte accousmatique a quelque chose de très cérémonial et la qualité d’écoute du public y est à son comble.

Lors d’un concert plus “performatif”, il y a un autre phénomène qui se produit, une sorte de deuxième soi qui sort et qui n’a ni le temps ni le goût de trop réfléchir. Son besoin d’expression est cru et très instinctif. On peut se préparer pour un concert, mais le facteur du direct crée inévitablement une tension dont l’issue a une part importante d’imprévus, ce qui rend l’expérience plus spectaculaire. C’est souvent cette expérience spectaculaire qui l’emporte sur la musique et personnellement, il me faut une certaine dose de je-m’en-foutisme pour y trouver du plaisir. Je préfère être dans le noir et laisser la musique à l’avant-plan. Je dois tout de même avouer qu’en situation de spectacle, il y a une énergie qui est difficile à reproduire en studio. D’où le besoin d’improviser avec d’autres musiciens pour la provoquer. S’il y a contamination entre ces deux pratiques, alors c’est surtout celle de la performance qui influence le travail de studio.

L’installation sonore tant qu’à elle, se situe dans le meilleur des mondes à mon sens, c’est à dire quelque part entre les deux autres pratiques, mais avec l‘avantage de ne pas être totalement imposée et que le public ait la liberté de rester dans l’espace pour apprécier la proposition le temps qu’il veut. Lorsque j’ai présenté l’installation Cartilages vrombissants (image à droite)une installation sonore assez intense au niveau immersif, certaines personnes n’ont pu la supporter plus de quelques secondes alors que d’autres y sont restés une heures de temps et sont même revenus le jour suivant. Il y a comme une dé-responsabilitsation agréable dans le fait de laisser une oeuvre agir par elle-même. C’est surtout fascinant d’observer les réactions des gens et de les entendre faire des commentaires alors que tu es tout juste à côté d’eux…

En quoi ton passage par les arts visuels (à tes débuts) influence ton travail musical ? Si influence il y a, est-ce surtout durant la phase de création de l’oeuvre ou surtout lors de sa présentation ? Voir les deux ?

Les arts visuels sont littéralement imbriqués dans ma musique. Je n’ai parfois même pas l’impression de faire de la musique mais plutôt de faire de la sculpture ou du dessin. Chaque son a des couleurs et une forme géométrique très évidente. C’est aussi pourquoi j’ai une forte attirance pour les sons abstraits. J’apprécie beaucoup le son d’un piano, mais dans ma tête, je ne vois que des touches noires et blanches. Même chose pour un violoncelle ou une guitare joués de manière traditionnelle. Par contre, les sons résiduels, le souffle, les masses harmoniques de synthétiseurs, ou encore le glissando d’un orchestre se traduisent inévitablement en couleurs et formes géométriques. C’est aussi en grande partie pourquoi j’ai éventuellement été attiré par la musique électroacoustiques, un domaine où ces représentations visuelles sont prisent en compte de manière sérieuse. Lorsque j’ai vu pour la première fois des partitions de musiques électroacoustique, elles exprimaient très bien un langage qui m’était déjà presque familier.

(Carrousel, partition pour table de Babel - Félix-Antoine Morin (2016)
Partition pour la pièce Carrousel pour table de Babel, 2016

Parfois le processus est inversé; je remarque une forme géométrique qui me donne l’idée d’une structure musicale. J’ai visité dernièrement à l’occasion d’une résidence au Chili la coopérative Ciudad Abierta qui est un champ utopique d’expérimentation architecturale créé au milieu des années soixante. L’architecture souvent très angulaire de chaque maison est un formidable work in progess permanent et ces maisons pourraient très bien servir d’inspiration pour la structure d’oeuvres sonores.

coopérative Ciudad Abierta
L’une des maisons de la coopérative Ciudad Abierta

Pour l’album « Le jeu des miroirs de Kali », j’ai du trouver une manière de marier mes enregistrements de nature très documentaire – et donc plutôt imagée –  avec des couleurs et des formes sonores qui étaient au contraire particulièrement abstraites. J’ai alors joué sur différents degrés de profondeur et de relief : ce sont parfois les enregistrements de voix, de prières, de scènes de rues ou de crémations qui « remontent à la surface » , parfois ce sont au contraire des éléments sonores plus abstraits qui sont à l’avant-plan de la composition.

Je me représente la forme générale de cet album un peu comme une pyramide à base triangulaire, formée par trois faces principales que sont les paysages sonores, la ligne mélodique et une ponctuation cinétique. Mais plutôt que d’avoir une simple fonction trigonométrique, ces trois éléments se combinent par réflexion – au sens où un miroir reflète la lumière – dans la base triangulaire de la pyramide. C’est sur ce principe de réflexion optique que j’ai orienté mon travail de composition pour ensuite isoler de nouvelles formes, les intensifier jusqu’à les distordre, comme un jeu de miroirs… musical.

http://kohlenstoff.ca/album/le-jeu-des-miroirs-de-kali

Questions d’entrevue : Martin Bédard

 

PRESS:

“ … the way Morin created his composition is something of a delight. There is a great flow between the three elements, slowly shifting back and forth between one or the other, an effective use of volume control is in place and via quick editing the sound can change radically in a split second, bringing out an excellent abstract narrative. Record of the week, should we do that sort of thing. “
Frans de Waard, Vital Weekly, Amsterdam, Netherlands, February 13th 2018
http://www.vitalweekly.net/1119.html

“ Le jeu des miroirs de Kali est sans contredit l’album le plus particulier que nous avons traité jusqu’à présent sur le site, il se positionne à mi-chemin entre la bande sonore et l’expérimentation auditive. Préparez-vous pour un périple musical extrêmement imagé qui saura jongler avec votre perception des sons et des cultures.”
William Paulhus, Mes enceintes font défaut, Montréal 19 Février 2018
http://www.mesenceintesfontdefaut.com/2018/02/19/sl019-felix-antoine-morin-le-jeu-des-miroirs-de-kali/

“… Au final, « Le jeu des miroirs de Kali » est un album audacieux, mature et réussi. Si le compositeur Félix-Antoine Morin n’avait qu’un seul opus à composer de sa vie, il peut à présent dormir en paix.”
Pierre-Luc Senécal, Journal VOIR, 22 mars 2018
https://voir.ca/pierre-luc-senecal/2018/03/22/felix-antoine-morin-une-perle-rare/

“… On s’immerge complètement dans le décor sonore du compositeur, évocatrices scènes liées entre elles par d’harmonieuses nappes de claviers…”
Philippe Renaud, Le Devoir, 26 février 2018
http://www.ledevoir.com/culture/musique/521272/le-pont-d-art-sonore-du-collectif-kohlenstoff

“… Indeed there is a strong narrative thread throughout, with quite strong contrasts in timbre and tone, along with symphonic crescendoes of emotional grandeur. (…) the work is very well crafted and there’s no doubting the sincerity of the composer’s intent. Unlike his more abstract electroacoustic brethren, Morin isn’t just interested in transforming sounds for their own sake, and clearly aims to reveal truths and shared experiences in his work…”
The Sound Projector, London, United Kingdom, 27th February 2018
http://www.thesoundprojector.com/2018/10/06/sacred-liquid/

“… Il nous emmène à travers un curieux cahier de voyage en Inde du Nord, présenté sous forme de deux tableaux qui mêlent des sons captés sur place pendant près de trois mois et combinés à des sons électroacoustiques, parfois simplement sous-tendus, parfois enveloppant et masquant progressivement la source originelle. Un jeu de va-et-vient constant propre à susciter un récit, souvent onirique… “ Revue & Corrigée, France, sept 2018

“ Pour continuer le voyage dans les bas-reliefs d’un paysage sonore, un monde en soi, un voyage auditif en poussières texturées, temples explosés en un nuage binaire, chiens disparaissant en écho derrière leurs hurlements, bactérie mangeuse de réel en arrière des rickshaws qui s’éloignent, chants venus de dieu et qui y retournent après des loops dans une cage thoracique, une gorge et une envolée, voici une oeuvre forte de Félix-Antoine Morin.  Il avait fait jouer ses « fields recording » dans un restaurant indien de Montréal, fallait y être.  Divers sons puisés en Inde que voici organisés en une fresque épique, car il a l’âme sublime.  Jette un flou dans tes cartographies par l’élan sublime d’une audiofaction…  Fais le silence autour, allonge-toi, détend-toi, PLAY, pars en voyage.” Maelstrom Maom, écrivain, Montréal 2018




Photos archives

 

 

 

 

 

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