Work (backup)

Invisible fragments – A/V Installation

EN //

Invisible fragments is a scalable audio-visual installation that unveils several miniature territories, whose details, inaccessible to the naked eye, become objects of contemplation under the camera-eye.

Invisible fragments - installation - félix-antoine morin

As the camera roams and probes these territories of the infinitesimal, the work gradually sediments into a microcosmic universe, evocative of an aesthetics of the sublime whose scale of perceptive grandeur transcends everyday references. Through a process of poeticization of these unsuspected infra-worlds and supra-worlds, the camera-eye allows one to perceive at the same time as it re-maps different worlds sensitive to manifold movements. From the realities of the textures and the reliefs of these environments filmed in macro are born fictions in which perception and imagination are in constant dialogue. The infra-worlds loom, echo each other, their borders sometimes blur. The slowness of the overflights in long sequence view creates another temporality through which the scales of perception are reconfigured: the macro becomes micro, the detail becomes mass, the microcosm is akin to a new cosmology where a hybrid is created from the geology of the strata of arid lands, of distant stars, of mountain valleys and the biological activity of organic membranes as forerunners of a possible life.

The spatialized sound tracks that accompany the images are purely subjective and seek to create a synchrony with the unfolding images. The use of combined sounds in this installation makes it possible to link heterogeneous spaces. The sound indeed acts as a unifying agent for the flow of images by enclosing them in a non-frame which overflows temporally and spatially the limits inherent to the camera and the screen. If the image circumscribes a space, the sound works by opening and blurring the same space. The co-habitation of the two mediums creates a tension, questioning perceptions in their multiple dimensions. In this sense, it is the perceiving subject who is then at the heart of the installation, experiencing a simultaneous double movement involving, on the one hand, viewing images from which one is held at a distance by the mere fact of the technical device and, on the other hand, the internal permeation of the effects of the sound which penetrates it. The proximity of the sound elements as well as their temporal and spatial evocation range endows the sound creation with a new double function of homogenization and transformation of the image by sound and of the sound by the image. The aesthetics of this installation aims to explore possible complexifications of the relationship between time and space, visual perception and auditory perception, optical source and sound source.

Premiere at Heritage Space, from February 28th to March 6th (2020), Hanoi, Vietnam FB event

Music / installation / edition : Félix-Antoine Morin Video : Alexis Zeville & Félix-Antoine Morin Curator: Nguyen Anh-Tuan

FR //

Invisible fragments est une installation audio-visuelle évolutive qui dévoile plusieurs territoires miniatures, dont les détails, inaccessibles à l’oeil nu, deviennent objets de contemplation sous l’oeil-caméra.

À mesure que la caméra sillonne et sonde ces territoires de l’infime, l’oeuvre se sédimente progressivement en un univers microcosmique, évocateur d’une esthétique du sublime dont l’échelle de grandeur perceptive transcende les référents quotidiens. Par un processus de poétisation de ces infra-mondes et supra-mondes insoupçonnés, l’oeil-caméra donne à percevoir – en même temps qu’il re-cartographie – différents mondes sensibles aux multiples mouvements. Des réalités des textures et des reliefs de ces environnements filmés en macro, naissent des fictions dans lesquelles perception et imagination sont en constant dialogue. Les infra-mondes se profilent, se font échos les uns les autres, leurs frontières se flouent parfois. La lenteur des survols en plan séquence crée une temporalité autre à travers laquelle ce sont les échelles de perception qui se reconfigurent : le macro devient micro, le détail se fait masse, le microcosme s’apparente à une nouvelle cosmologie où s’hybrident une géologie de strates de terres arides, d’astres lointains, de vallées montagneuses et l’activité biologique de membranes organiques comme symptômes d’une vie possible.

Les trames sonores spatialisées qui accompagnent les images sont purement subjectives et cherchent à créer une synchrèse avec les images déroulantes. L’utilisation des sons combinés dans cette installation permet de mettre en relation des espaces hétérogènes. Le son agit en effet comme un opérateur d’unification des flux d’images en les englobant dans un non-cadre qui déborde temporellement et spatialement les limites inhérentes à la caméra et à l’écran. Si l’image circonscrit un espace, le son travaille par ouverture et brouillage de ce même espace. La co-habitation des deux médiums pose une tension qui questionne la perception dans ses multiples dimensions. En ce sens, c’est le sujet percevant qui est alors au coeur de l’installation, en faisant l’expérience d’un double mouvement simultané d’une part de visionnage d’images desquelles il est tenu à distance – par le seul fait du dispositif technique – et d’autre part d’imprégnation intérieure des effets du son qui le pénètrent. La proximité des éléments sonores ainsi que leur portée d’évocation temporelle et spatiale dote la création sonore d’une nouvelle double fonction d’homogénéisation et de transformation de l’image par le son et du son par l’image. L’esthétique de cette installation a ainsi pour visée d’explorer des possibles complexifications des rapports entre temps et espace, perception visuelle et perception auditive, source optique et source sonore.

Présenté en première au Heritage Space, du 28 février au 6 mars 2020, Hanoi, Vietnam FB event Musique / installation / édition : Félix-Antoine Morin Vidéo : Alexis Zeville et Félix-Antoine Morin Commissaire: Nguyen Anh-Tuan

VIE //

Những mảnh vô hình là một sắp đặt âm thanh-thị giác có khả năng thu phóng, tiết lộ nhiều lãnh địa vi mô, mà những chi tiết không thể được nắm bắt bằng mắt thường của chúng lại trở thành đối tượng để chiêm ngưỡng qua ống kính camera.

Khi camera di chuyển và thăm dò những lãnh địa siêu vi, tác phẩm dần dần lắng đọng thành một vũ trụ vi mô, gợi lên thẩm mỹ của sự siêu phàm trong đó nhận thức về lượng mức vượt qua các tham chiếu thường ngày. Thông qua quá trình thi vị hóa những thế giới bên trên và bên dưới không chút nghi ngờ này, ống kính camera cho phép người xem nhận thức, đồng thời sắp xếp lại bản đồ các thế giới nhạy cảm với những chuyển động đa dạng khác nhau. Kết cấu thực tế và  sự mấp mô của các môi trường được ghi hình cực cận (macro) sinh ra những huyễn tưởng trong đó nhận thức và tưởng tượng tạo ra cuộc đối thoại bất biến. Những thế giới thượng tầng hiện lên sừng sững, đồng vọng, đôi lúc xóa nhòa ranh giới của nhau. Tốc độ chậm chạp của nhát máy trong một trường cảnh tạo ra một thời tính khác qua đó những lượng mức của sự nhận thức được tái cấu trúc: vĩ trở thành vi, tiểu trở thành đại, thế giới vi mô giống như một vũ trụ mới nơi một sự lai tạo được tạo ra từ địa tầng của những mảnh đất khô cằn, của những tinh cầu xa xôi, của núi cao thung sâu và các hoạt động sinh học của lớp màng hữu cơ như những tiền thân cho thể sống tiềm tàng.

 Phần nhạc nền có tính không gian đi kèm với các hình ảnh mang tính chủ quan thuần túy và mong muốn tạo ra một sự đồng bộ với những hình ảnh mở ra. Việc sử dụng những âm thanh kết hợp trong sắp đặt này tạo khả năng kết nối các không gian dị biệt. Thực chất âm thanh đóng vai trò như một nhân tố thống nhất các dòng hình ảnh bằng cách bao quanh chúng trong một phi-khung-hình tràn qua các giới hạn theo thời gian và không gian vốn có của ống kính và màn hình. Nếu một hình ảnh tạo ra đường ngoại tiếp một không gian, âm thanh có vai trò mở ra và xóa nhòa chính không gian đó. Sự cộng cư của hai chất liệu tạo ra sự căng thẳng, đặt nghi vấn về nhận thức trong các chiều kích đa dạng của chúng. Với nghĩa này, chính chủ thể của sự nhận thức lại trở thành trung tâm của sắp đặt bằng việc trải nghiệm một chuyển động kép: một mặt, xem các hình ảnh luôn bị giữ một khoảng cách với họ bởi giới hạn của thiết bị kỹ thuật, mặt khác, sự thẩm thấu nội tại của các hiệu ứng âm thanh lại thâm nhập vào họ. Sự tiệm cận của các yếu tố âm thanh cũng như phạm vi khơi gợi không thời của chúng trao cho sự sáng tạo âm thanh một chức năng kép mới: đồng hợp hóa và chuyển đổi hình ảnh bằng âm thanh và âm thanh bằng hình ảnh. Thẩm mỹ trong sắp đặt này nhằm khám phá những khả thể phức hợp của mối quan hệ giữa thời gian và không gian, nhận thức thị giác và nhận thức thính giác, nguồn quang học và nguồn âm thanh.

Công chiếu tại Heritage Space, từ ngày 28 tháng 2 đến ngày 6 tháng 3 (2020), Hà Nội, Việt Nam Sự kiện FB Âm nhạc / cài đặt / ấn bản: Félix-Antoine Morin Video: Alexis Zeville & Félix-Antoine Morin Giám tuyển: Nguyễn Anh-Tuấn

 

Coextensive Ubiquity – Valparaíso / Montréal / Tokyo

Coextensive Ubiquity is a project in which I can position several stereo microphones in different places, without geographical constraints. Simultaneous sound transmission is then made possible through the use of a special implement. This project goes far beyond music, it is an adventure in sound, an exploration of perception and an experience that concerns itself with the phenomenon of ubiquity. I gave a concert in December 2017 in Valparaiso (Chile), where I experimented for the first time with my notion of “ubiquitous listening”. I called upon the audience to experience the listening of their city through the multiplied perspective of different sound scenes, all of which were combined to co-exist in a way that escaped the fixed nature of our daily listening which of course remains absorbed in only one situation of place and time.

Coextensive Ubiquity - Tokyo - Félix-Antoine Morin

To realize this project, I had scattered in the city of Valparaiso several stereo microphones which, like pairs of ears, sent me their signals – soundscapes that I would chance upon at the moment and combine live from my mixing table. The panoramic noise of the city produced a vast field of simultaneous realities: from the loud roar of the sea, and the clamor of fish traders at the markets, to much more intimate details such as that of doors as they creaked, and seagulls as their wings flapped in the air.

This way of working with different scenes and sonic proportions is risky for any composer who is used to working with fixed sounds, but it opens the door to new possibilities and perceptual experiences. Musique concrète, in the vein of which I associate with this project, allows the composer to play with time, to transgress it and to reconstruct it. Through this creative process, by means of simultaneous sound transmission, our relation to the present is brought to a new dimension. As I experiment with the vastly different sound perspectives that are afforded through the phenomenon of ubiquity, I am attentively shaping the contrasts that emerge. I am able to combine site transmissions that bear radically divergent proportions – individual soundscapes that tend to offer a very dynamic range from the barely audible to the deafening, as well as soundscapes that sound more or less distant in the geography of the city. I believe that the principal point of interest of having the technical ability to combine live site transmissions is that it permits a conceptualization of sound composition as a form of storytelling where numerous narratives are suddenly capable of being juxtaposed together. Furthermore, simultaneous sound transmissions grant the composer the ability to occupy a double role: that of spectator because he must discover the sounds live, and that of composer because he then must organize and link the scenes.

At the beginning of 2019, I worked for three months on this project with soundscape from the city of Tokyo, more recently Tokyo Arts and Space (TOKAS). I first bet to work with other composers located in other countries to whom I proposed to send them the sound signals that I would collect in advance, so that they can interpret them way and organize them in turn musical work that would be marked this time with their own poetics. What interests me when I involve artists from different countries is the duplication of the principle of ubiquity. These real-time broadcasts were to occur at predetermined times and allow them to interpret simultaneous transmissions in their own way, organizing them and transforming them into musical works with their own aesthetics. In Montreal, Maxime Corbeil-Perron, Alexander Wilson in Copenhagen, Lionel Marchetti in France, Hanna Hartman in Berlin, Sara Magnan in Mexico, Vanessa Massera in Stockholm and Pierre Alexandre Tremblay in England. The works of each artist were then to be recorded and made available to the public, allowing people to understand how each could recompose / remix live soundscapes based on their personal sensitivity with a unique “sound reality” yet shared at the base. This idea of ​​collaboration seemed to me to be a logical extension of a research that precisely questions the notions of simultaneity, distance and perception. I had to put aside these collaborations for lack of funding.

With the Coextensive Ubiquity project, which explores questions related to perception, architecture and acoustics, I took up the challenge of dispersing my microphones all over the city of Tokyo to receive various sound signals in real time. In the end, though, I chose to work with more targeted and accessible spaces: those of the TOKAS building itself and part of its outside perimeter. With this endeavor being primarily a research project, it seemed much more logical (and more flexible) to work in this way. It allowed me to react more quickly to the sound material, and to experiment with different ways of deploying the sound transmission system. Also, this new approach afforded me a clearer grasp of the project’s most relevant artistic implications – those to be brought forward at the next presentation. Much more than a system for collecting anecdotal soundscapes, this project must be conceived as a giant musical instrument that feeds on acoustic architecture.

* With the incredible help of Francis Lecavalier (Creative Coding) * Curator in Valparaiso (Chile) : Eric Mattson

Coextensive Ubiquity @ Tokyo art and space OPEN STUDIO (Félix-Antoine Morin)

Coextensive Ubiquity @ Tokyo art and space OPEN STUDIO 2019

Coextensive Ubiquityは、都市のさまざまなエリアに12個のステレオマイクを配置するプロジェクトです。その後、特別な道具を使用することにより、同時音声伝送が可能になります。このプロジェクトは音楽をはるかに超えており、音の冒険、知覚の探求、ユビキタス現象に関係する経験です。 2017年12月にバルパライソ(チリ)でコンサートを開催し、「ユビキタスリスニング」という概念で初めて実験しました。さまざまなサウンドシーンの多様な視点から彼らの街のリスニングを体験するように聴衆に呼びかけました。場所と時間の状況。

このプロジェクトを実現するために、私はバルパライソの街にいくつかのステレオマイクを散らばらせていました。ステレオマイクは、耳のペアのように信号を送ってくれました。街のパノラマのノイズは、海の大きなloud音、市場での魚商人の騒から、きしむドアやカモメなどのより詳細な詳細まで、広大な同時現実の分野を生み出しました。翼が空中に羽ばたきました。

さまざまなシーンと音のプロポーションを操作するこの方法は、固定サウンドの操作に慣れている作曲家にとって危険ですが、新しい可能性と知覚体験への扉を開きます。私がこのプロジェクトに関連しているという点で、音楽コンクレートは、作曲家が時間をかけて演奏し、それを越え、再構築することを可能にします。この創造的なプロセスを通して、同時音響伝達によって、現在との関係が新しい次元にもたらされます。ユビキタス現象によってもたらされる非常に異なる音の視点で実験する際に、出現するコントラストを注意深く形成しています。私は、非常に多様な割合を持つサイト送信を組み合わせることができます。ほとんど聞こえないものから耳が聞こえないものまで非常にダイナミックな範囲を提供する傾向がある個々のサウンドスケープと、都市の地理的に多少離れているように聞こえるサウンドスケープ。ライブサイト送信を組み合わせる技術的能力を持つことの主な関心事は、多数の物語が突然並置されるストーリーテリングの形式として、サウンド構成の概念化を可能にすることだと思います。さらに、同時音声伝送により、作曲家は二重の役割を果たすことができます。観客はライブサウンドを発見する必要があるため、観客はシーンを整理およびリンクする必要があるためです。

2019年の初めに、私はこのプロジェクトで3か月間東京のサウンドスケープ、最近では東京芸術と宇宙(TOKAS)のサウンドスケープを使って仕事をしました。私はまず、他の国にいる他の作曲家と協力して、事前に収集する音声信号を送信することを提案しました。そうすれば、彼らはこのように解釈される音楽作品を順番に解釈し、整理することができます自分の詩。さまざまな国のアーティストを巻き込んだときに興味があるのは、ユビキタスの原則の重複です。これらのリアルタイムブロードキャストは、事前に決められた時間に行われ、同時送信を独自の方法で解釈し、整理し、独自の美学を持つ音楽作品に変換することができました。モントリオール、マキシム・コルベイユ・ペロン、コペンハーゲンのアレクサンダー・ウィルソン、フランスのライオネル・マルケッティ、ベルリンのハンナ・ハートマン、メキシコのサラ・マグナン、ストックホルムのヴァネッサ・マッセラ、イギリスのピエール・アレクサンドル・トランブレ。その後、各アーティストの作品が録音され、一般に公開されました。これにより、ベースで共有されている独自の「サウンドリアリティ」と個人の感性に基づいて、ライブサウンドスケープをどのように再構成/リミックスできるかを人々が理解できるようになりました。このコラボレーションのアイデアは、同時性、距離、知覚の概念に正確に疑問を投げかける研究の論理的な拡張のように思えました。私は、資金不足のためにこれらのコラボレーションを脇に置く必要がありました。

知覚、建築、音響に関連する質問を調査するCoextensive Ubiquityプロジェクトでは、さまざまな音声信号をリアルタイムで受信するために、東京市内にマイクを分散させるという課題に取り組みました。しかし、最終的には、よりターゲットを絞ったアクセスしやすい空間で作業することを選択しました。TOKASの建物自体とその周辺の一部です。この取り組みは主に研究プロジェクトであるため、この方法で作業する方がはるかに論理的(かつ柔軟)に思えました。音素材にすばやく反応し、音伝送システムを展開するさまざまな方法を試すことができました。また、この新しいアプローチにより、プロジェクトの最も関連性の高い芸術的意味をより明確に把握することができました。これは次のプレゼンテーションで紹介するものです。逸話的なサウンドスケープを収集するためのシステム以上のものであるこのプロジェクトは、音響アーキテクチャを取り入れた巨大な楽器として考えなければなりません。

Coextensive Ubiquity (sound & media art) - Félix-Antoine MorinCoextensive Ubiquity - Félix-Antoine Morin (Montreal, Canada) Félix-Antoine MORIN TOKAS

ES // Coextensive Ubiquity es un proyecto en el que puedo colocar varios micrófonos estéreo en diferentes lugares, sin limitaciones geográficas. La transmisión de sonido simultánea se hace posible mediante el uso de un implemento especial. Este proyecto va mucho más allá de la música, es una aventura sonora, una exploración de la percepción y una experiencia que se preocupa por el fenómeno de la ubicuidad. Di un concierto en diciembre de 2017 en Valparaíso (Chile), donde experimenté por primera vez con mi noción de “escucha ubicua”. Llamé a la audiencia a experimentar la escucha de su ciudad a través de la perspectiva multiplicada de diferentes escenas sonoras, las cuales se combinaron para coexistir de una manera que escapaba a la naturaleza fija de nuestra escucha diaria que, por supuesto, permanece absorta en una sola. situación de lugar y tiempo. Para realizar este proyecto, había esparcido en la ciudad de Valparaíso varios micrófonos estéreo que, como pares de oídos, me enviaban sus señales, paisajes sonoros que en ese momento me encontraría y combinaría en vivo desde mi mesa de mezclas. El ruido panorámico de la ciudad produjo un vasto campo de realidades simultáneas: desde el estruendo del mar, y el clamor de los pescadores en los mercados, hasta detalles mucho más íntimos como el de las puertas que crujían y las gaviotas como su alas batidas en el aire. Esta forma de trabajar con diferentes escenas y proporciones sonoras es arriesgada para cualquier compositor que esté acostumbrado a trabajar con sonidos fijos, pero abre la puerta a nuevas posibilidades y experiencias perceptivas. Musique concrète, en la línea que me asocio a este proyecto, permite al compositor jugar con el tiempo, transgredirlo y reconstruirlo. A través de este proceso creativo, mediante la transmisión de sonido simultánea, nuestra relación con el presente adquiere una nueva dimensión. Mientras experimento con las perspectivas sonoras enormemente diferentes que se ofrecen a través del fenómeno de la ubicuidad, estoy modelando con atención los contrastes que surgen. Puedo combinar transmisiones de sitios que tienen proporciones radicalmente divergentes: paisajes sonoros individuales que tienden a ofrecer un rango muy dinámico desde lo apenas audible hasta lo ensordecedor, así como paisajes sonoros que suenan más o menos distantes en la geografía de la ciudad. Creo que el principal punto de interés de tener la capacidad técnica para combinar transmisiones de sitios en vivo es que permite una conceptualización de la composición sonora como una forma de narración donde numerosas narrativas son repentinamente capaces de yuxtaponerse juntas. Además, las transmisiones sonoras simultáneas otorgan al compositor la capacidad de ocupar un doble papel: el de espectador porque debe descubrir los sonidos en vivo, y el de compositor porque luego debe organizar y vincular las escenas. A principios de 2019, trabajé durante tres meses en este proyecto con paisaje sonoro de la ciudad de Tokio, más recientemente Tokyo Arts and Space (TOKAS). Primero apuesto a trabajar con otros compositores ubicados en otros países a los que les propuse enviarles las señales sonoras que recogería con antelación, para que las puedan interpretar de manera y organizarlas a su vez obra musical que estaría marcada esta vez con su propia poética. Lo que me interesa cuando involucro a artistas de diferentes países es la duplicación del principio de ubicuidad. Estas retransmisiones en tiempo real debían ocurrir en momentos predeterminados y les permitirían interpretar las retransmisiones simultáneas a su manera, organizándolas y transformándolas en obras musicales con estética propia. En Montreal, Maxime Corbeil-Perron, Alexander Wilson en Copenhague, Lionel Marchetti en Francia, Hanna Hartman en Berlín, Sara Magnan en México, Vanessa Massera en Estocolmo y Pierre Alexandre Tremblay en Inglaterra. Las obras de cada artista debían luego ser grabadas y puestas a disposición del público, permitiendo a las personas comprender cómo cada uno podía recomponer / remezclar paisajes sonoros en vivo en función de su sensibilidad personal con una “realidad sonora” única pero compartida en la base. Esta idea de colaboración me pareció una extensión lógica de una investigación que cuestiona precisamente las nociones de simultaneidad, distancia y percepción. Tuve que dejar de lado estas colaboraciones por falta de financiación. Con el proyecto Coextensive Ubiquity, que explora cuestiones relacionadas con la percepción, la arquitectura y la acústica, asumí el desafío de dispersar mis micrófonos por toda la ciudad de Tokio para recibir varias señales de sonido en tiempo real. Sin embargo, al final, opté por trabajar con espacios más específicos y accesibles: los del propio edificio TOKAS y parte de su perímetro exterior. Dado que este esfuerzo es principalmente un proyecto de investigación, parecía mucho más lógico (y más flexible) trabajar de esta manera. Me permitió reaccionar más rápidamente al material de sonido y experimentar con diferentes formas de implementar el sistema de transmisión de sonido. Además, este nuevo enfoque me permitió comprender mejor las implicaciones artísticas más relevantes del proyecto, las que se presentarán en la próxima presentación. Mucho más que un sistema de recopilación de paisajes sonoros anecdóticos, este proyecto debe concebirse como un gigantesco instrumento musical que se alimenta de la arquitectura acústica. * Con la increíble ayuda de Francis Lecavalier (Codificación creativa) * Curador en Valparaíso (Chile): Eric Mattson

Le jeu des miroirs de Kali – album

Le jeu des miroirs de Kali - Félix-Antoine Morin   [KOHL038] (2018)

Composé entre 2013 et 2017 à partir d’enregistrements faits en Inde du nord en 2013 Mastering : Stéphane Claude (OBORO)

En version digitale ou CD (édition limitées 200 copies) ici: http://kohlenstoff.ca/album/le-jeu-des-mirroirs-de-kali

“ … the way Morin created his composition is something of a delight. There is a great flow between the three elements, slowly shifting back and forth between one or the other, an effective use of volume control is in place and via quick editing the sound can change radically in a split second, bringing out an excellent abstract narrative. Record of the week, should we do that sort of thing. “ Frans de Waard, Vital Weekly, Amsterdam, Netherlands, February 13th 2018 http://www.vitalweekly.net/1119.html

“ Le jeu des miroirs de Kali est sans contredit l’album le plus particulier que nous avons traité jusqu’à présent sur le site, il se positionne à mi-chemin entre la bande sonore et l’expérimentation auditive. Préparez-vous pour un périple musical extrêmement imagé qui saura jongler avec votre perception des sons et des cultures.” William Paulhus, Mes enceintes font défaut, Montréal 19 Février 2018 http://www.mesenceintesfontdefaut.com/2018/02/19/sl019-felix-antoine-morin-le-jeu-des-miroirs-de-kali/

“… Au final, « Le jeu des miroirs de Kali » est un album audacieux, mature et réussi. Si le compositeur Félix-Antoine Morin n’avait qu’un seul opus à composer de sa vie, il peut à présent dormir en paix.” Pierre-Luc Senécal, Journal VOIR, 22 mars 2018 https://voir.ca/pierre-luc-senecal/2018/03/22/felix-antoine-morin-une-perle-rare/

“… On s’immerge complètement dans le décor sonore du compositeur, évocatrices scènes liées entre elles par d’harmonieuses nappes de claviers…” Philippe Renaud, Le Devoir, 26 février 2018 http://www.ledevoir.com/culture/musique/521272/le-pont-d-art-sonore-du-collectif-kohlenstoff

“… Indeed there is a strong narrative thread throughout, with quite strong contrasts in timbre and tone, along with symphonic crescendoes of emotional grandeur. (…) the work is very well crafted and there’s no doubting the sincerity of the composer’s intent. Unlike his more abstract electroacoustic brethren, Morin isn’t just interested in transforming sounds for their own sake, and clearly aims to reveal truths and shared experiences in his work…” The Sound Projector, London, United Kingdom, 27th February 2018 http://www.thesoundprojector.com/2018/10/06/sacred-liquid/

“ Pour continuer le voyage dans les bas-reliefs d’un paysage sonore, un monde en soi, un voyage auditif en poussières texturées, temples explosés en un nuage binaire, chiens disparaissant en écho derrière leurs hurlements, bactérie mangeuse de réel en arrière des rickshaws qui s’éloignent, chants venus de dieu et qui y retournent après des loops dans une cage thoracique, une gorge et une envolée, voici une oeuvre forte de Félix-Antoine Morin.  Il avait fait jouer ses « fields recording » dans un restaurant indien de Montréal, fallait y être.  Divers sons puisés en Inde que voici organisés en une fresque épique, car il a l’âme sublime.  Jette un flou dans tes cartographies par l’élan sublime d’une audiofaction…  Fais le silence autour, allonge-toi, détend-toi, PLAY, pars en voyage.” Maelstrom Maom, écrivain, Montréal 2018

“… Il nous emmène à travers un curieux cahier de voyage en Inde du Nord, présenté sous forme de deux tableaux qui mêlent des sons captés sur place pendant près de trois mois et combinés à des sons électroacoustiques, parfois simplement sous-tendus, parfois enveloppant et masquant progressivement la source originelle. Un jeu de va-et-vient constant propre à susciter un récit, souvent onirique… “ Revue & Corrigée, France, sept 2018

Note de programme

FR //

Il y a le feu de crémation. Je regarde les chiens se battre pour un bout de bras ou de jambe. Juste en avant les pèlerins avancent par centaines sur les ghâts pour plonger dans cette eau opaque. J’avance avec les autres dans ce liquide sacré du Gange et mes pieds glissent sur la pierre visqueuse. J’essaie de ne pas perdre l’équilibre d’un bras, de l’autre je tiens un micro qui enregistre la prière des dévots. Certains ont fait le voyage depuis le sud pour se rendre jusqu’ici. Souvent à pied et comme clandestins dans des trains, avec comme seul bagage un vieux chiffon. Leur dévotion est totale. Partout des haut-parleurs donnent des ordres. Un mendiant fou mange son dahl sur le plancher au milieu d’un temple. Il parle tout seul et je l’enregistre discrètement. Je ne comprends rien à ce qu’il me dit, mais j’adore sa voix basse et granuleuse. L’autre nuit je me suis perdu dans les petites rues sans lumières de Benares. Je m’assois ici, juste à côté de cette silhouette qui dort sur le bord. Elle me protège des meutes de chiens errants qui se disputent les territoires. La nuit appartient aux chiens. Chaque jour je fais des rêves très marquants. Cette ville me fait halluciner.

Quelques mois d’errance en Inde du Nord à me laisser porter au fil des sons et des ambiances dans lesquelles m’ont plongé les villes dites sacrées comme Haridwar, Pushkar ou encore Benares (Varanasi). La ferveur religieuse de la population, au quotidien, était palpable. Un heureux hasard du calendrier m’a permis de me retrouver sur place au moment du Kumbh Mela, rassemblement religieux organisé tous les douze ans. Cent millions de dévots, déversés par des trains, s’agglutinent sur les rives du Gange. La ferveur religieuse y devient une fièvre collective, démesurée et extrême.

Mon voyage s’est poursuivi dans le désert du Thar à la frontière entre l’Inde et le Pakistan. « Des haut-parleurs se font la guerre entre Allah et Shiva ». Il m’est interdit d’aller au Pakistan alors je pars pour Varanasi qui est considérée comme l’une des cités les plus anciennement habitées du monde. Surnommée « Ville de la mort », l’endroit ne laisse pas indemne. À la vue de tous, les corps y sont brûlés par centaines. Les cérémonies de crémation rythment les journées. Odeurs et sons de la mort, étrangement, font ici partie de la vie.

De retour à Montréal, je me replonge dans les enregistrements sonores comme un carnet de voyage. J’écoute et je laisse revenir l’expérience de ces scènes passées. L’écriture musicale nait par elle-même, je n’ai qu’à laisser les sons enregistrés exister pour qu’ils me suggèrent d’eux-mêmes leur développement musical. La trace des expériences intensifiées du sacré que l’Inde m’a inspiré est tellement forte que j’ai le sentiment d’être au service d’une œuvre qui ne m’appartient pas complètement.

Program note

EN //

There is the cremation fire. I watch the dogs fighting among themselves for a piece of arm or leg. Just in front, the pilgrims advance by hundreds on the ghats to dive into this opaque water. I advance with the others in the Ganga’s sacred liquid and my feet slide on the slimy stone. I try not to lose my balance with one arm, while the other holds a microphone to record the prayer of the devotees. Some of them have travelled from the south to get here. Often on foot and as stowaways on trains, with their only baggage being an old rag. Their devotion is total. Everywhere loud speakers give orders. A crazy beggar eats his dahl on the floor in the middle of the temple. He talks to himself and I discreetly record him. I don’t understand anything that he says to me, but I love his low and grainy voice. The other night I got lost in the small unlit streets of Benares. I sit here, next to this silhouette sleeping on the side. It protects me from the packs of stray dogs who fight for their territories. The night belongs to the dogs. Every day, I have very striking dreams. This city makes me hallucinate.

Some months of wandering in North India carried me through the sounds and ambiance in which the cities known as sacred such as Haridwar, Pushkar or even Benares (Varanasi) immersed me. The daily religious fervor of the population was tangible. A fortunate coincidence allowed me to be present at the moment of the Kumbh Mela, the religious gathering organized every twelve years. After pouring out of trains, hundreds of millions of devotees are packed together on the banks of the Ganga. The religious fervor becomes a collective, excessive and extreme fever.

My travels continued in the Thar Desert to the border between India and Pakistan. “Loud speakers are at war between Allah and Shiva.” I am prohibited from going to Pakistan so I leave for Varanasi, considered one of the oldest inhabited cities in the world. Known as the “City of death”, the place doesn’t leave anyone unscathed. In view of everyone, the bodies are burned by the hundreds. The cremation ceremonies give rhythm to the days. Here smells and sounds of death, strangely, are part of life.

Félix-Antoine Morin - Le jeu des miroirs de Kali - India 2013

Back in Montreal, I reimmerse myself in the sound recordings like one would in a travel journal. I listen and relive the experiences of these past scenes. The musical writing comes into being by itself, I just have to let the recorded sounds exist for them to suggest their musical development. The inspiration that I received from the sacred and intense experiences in India is so strong that I have the feeling of being at the service of a work that doesn’t completely belong to me.

  कार्यक्रम नोट HIN // श्मशान अग्नि है। मैं हाथ या पैर के टुकड़े के लिए कुत्तों को आपस में लड़ता हुआ देखता हूँ। बस सामने, तीर्थयात्री इस अपारदर्शी पानी में गोता लगाने के लिए घाटों पर सैकड़ों लोगों द्वारा आगे बढ़ते हैं। मैं गंगा के पवित्र तरल में दूसरों के साथ आगे बढ़ता हूं और मेरे पैर गंदे पत्थर पर फिसलते हैं। मैं एक हाथ से अपना संतुलन नहीं खोने की कोशिश करता हूं, जबकि दूसरा भक्तों की प्रार्थना को रिकॉर्ड करने के लिए एक माइक्रोफोन रखता है। उनमें से कुछ ने यहां पहुंचने के लिए दक्षिण से यात्रा की है। अक्सर पैदल और गाड़ियों पर stowaways के रूप में, उनके एकमात्र सामान एक पुरानी चीर के साथ। उनकी भक्ति कुल है। हर जगह लाउड स्पीकर आदेश देते हैं। एक पागल भिखारी मंदिर के बीच में फर्श पर अपना डाह खाता है। वह खुद से बात करता है और मैं विवेकपूर्वक उसे रिकॉर्ड करता हूं। मुझे कुछ भी समझ नहीं आ रहा है कि वह मुझसे क्या कहे, लेकिन मुझे उसकी नीची और दानेदार आवाज बहुत पसंद है। दूसरी रात मैं बनारस की छोटी-छोटी अनफ़िट गलियों में खो गया। मैं यहाँ बैठा हूँ, बगल में इस सिल्हूट में सो रहा हूँ। यह मुझे उन आवारा कुत्तों के पैक से बचाता है जो अपने क्षेत्रों के लिए लड़ते हैं। रात कुत्तों की है। हर दिन, मेरे पास बहुत हड़ताली सपने हैं। यह शहर मुझे मतिभ्रम बनाता है। उत्तर भारत में भटकने के कुछ महीनों ने मुझे ध्वनियों और वातावरण के माध्यम से ले जाया जिसमें हरिद्वार, पुष्कर या यहाँ तक कि बनारस (वाराणसी) के रूप में जाने जाने वाले शहरों ने मुझे डुबो दिया। आबादी का दैनिक धार्मिक उत्साह मूर्त था। एक भाग्यशाली संयोग ने मुझे कुंभ मेले के मौके पर उपस्थित रहने की अनुमति दी, हर बारह साल में आयोजित धार्मिक सभा। गाड़ियों से बाहर निकलने के बाद, लाखों भक्त गंगा के किनारे एक साथ पैक किए जाते हैं। धार्मिक उत्साह एक सामूहिक, अत्यधिक और अत्यधिक बुखार बन जाता है। भारत और पाकिस्तान की सीमा के लिए थार रेगिस्तान में मेरी यात्रा जारी रही। “लाउड स्पीकर अल्लाह और शिव के बीच युद्ध में हैं।” मुझे पाकिस्तान जाने की मनाही है इसलिए मैं दुनिया के सबसे पुराने आबाद शहरों में से एक माने जाने वाले वाराणसी के लिए रवाना होता हूं। “मौत का शहर” के रूप में जाना जाता है, यह जगह किसी को भी नहीं छोड़ती है। सभी को देखते हुए, शवों को सैकड़ों लोगों द्वारा जलाया जाता है। दाह संस्कार समारोह दिनों के लिए लय देते हैं। यहां से बदबू आती है और मौत की आवाजें, अजीब तरह से, जीवन का हिस्सा हैं। मॉन्ट्रियल में वापस, मैं ध्वनि रिकॉर्डिंग में खुद को पुन: पेश करता हूं जैसे कि एक यात्रा पत्रिका में होगा। मैं इन पिछले दृश्यों के अनुभवों को सुनता हूं और उन पर भरोसा करता हूं। संगीत लेखन अपने आप में अस्तित्व में आता है, मुझे बस उनके संगीत के विकास का सुझाव देने के लिए रिकॉर्डेड ध्वनियों को मौजूद रहने देना है। भारत में पवित्र और गहन अनुभवों से मुझे जो प्रेरणा मिली, वह इतनी मजबूत है कि मुझे ऐसे काम की सेवा में होने का अहसास है जो पूरी तरह से मेरे लिए नहीं है।

Entrevue de Martin Bédard avec Félix-Antoine Morin pour l’album « Le jeu des miroirs de Kali » 

 

Cartilages vrombissants / Installation sonore immersive

Cartilages vrombissants - Félix-Antoine Morin

FR \\ La musique des moines Tibétains (Bön, prononcer beun) par exemple puise du silence une partie de son inspiration. Pendant la méditation qui peut durer des heures, la qualité auditive des moines s’aiguise jusqu’à s’ouvrir à tous les des sons ambiants habituellement difficiles à percevoir, comme les bruits internes de leur propre corps (cartilages, organes, respirs, afflux sanguin). Leur musique traditionnelle sacrée est une exemplification de cette expérience sonore intime générée par la méditation.

Inspiré par cette expérience de l’accès au sonore que contient le silence, j’ai décidé d’utiliser des appareils d’enregistrement pour aller “lire à la loupe” les supposés silences d’espaces abandonnés. J’ai donc fait la capture sonore (et utilisé certaines de mes archives) de lieux qui semblent a priori silencieux, tels que gymnase, musée (NY), studio de boxe, temples (Inde), tunnels (Wellington), cages d’escalier, désert du Thar (Inde-Pakistan), couloirs, stationnements intérieurs et autre lieux “vides”. Captés par des appareils d’enregistrements puissant, les silences, plusieurs fois amplifiés, se sont révélés riches et complexes.

Présentée dans cet endroit lui aussi abandonné et vide – un ancien salon de message érotique – cette installation vient ré-exposer les détails des silences de ces enregistrements. Pour chacune des pièces de l’espace, un environnement sonore particulier. Cependant, selon la position où l’on se trouve, ces différents environnements s’entre-croisent également et se contaminent les uns les autres dans un jeu psychoacoustique. En référence au principe des “room tones” en cinéma qui consiste à ajouter un espace sonore de fonds pour qu’une scène ne soit pas totalement silencieuse,  cet installation comble le silence de cet espace abandonné en y exposant les “silences révélés” des autres lieux vides que j’ai enregistrés.

EN // The music of Tibetan monks (Bön, pronounce beun) for example draws some of his inspiration from silence. During meditation that can last for hours, the auditory quality of the monks sharpens to open up to all the ambient sounds usually difficult to perceive, such as the internal noises of their own body (cartilage, organs, breaths, influx blood). Their sacred traditional music is an exemplification of this intimate sound experience generated by meditation.

Inspired by this experience of access to the sound contained in silence, I decided to use recording devices to “read through the magnifying glass” the supposed silences of abandoned spaces. So I made the sound capture (and used some of my archives) of places that seem a priori silent, such as gym, museum (NY), boxing studio, temples (India), tunnels (Wellington), cages of stairs, Thar desert (India-Pakistan), corridors, indoor parking and other “empty” places. Captured by powerful recording devices, the silences, several times amplified, proved to be rich and complex.

Presented in this place, also abandoned and empty – an old erotic message room – this installation re-exposes the details of the silences of these recordings. For each room in the space, a particular sound environment. However, depending on where you are, these different environments also intersect and contaminate each other in a psychoacoustic game. Referring to the principle of “room tones” in cinema which consists in adding a sound space of funds so that a scene is not totally silent, this installation fills the silence of this abandoned space by exposing the “revealed silences” of the others empty places that I recorded.

Commissaire : Eric Mattson

Co-concepteur : Kaspar’89

Les 20-21-22 mai 2016 de 17h à 21h, 6827 rue St-Hubert, Mtl

 – Lien vidéo – 

Stichomythie / mobile sonore

FR //

Mobile sonore constitué de deux ventilateurs industriels, ainsi que de plusieurs microphones placés devant chacun d’eux. Chaque microphone “interprète” le son et le souffle envoyé par les machines de manière différente grace à un jeu de distance et par traitements sonore, un peu comme une chorale inversé. Les microphones sont divisés en deux groupes de cinq microphones dont l’interprétation sonore du sujet s’entrecroise, suivant l’activation plus ou moins aléatoire des machines à vent. Il ne s’agit pas seulement de capter le son, mais aussi de jouer avec la physicalité du vent qui frappe directement sur le diaphragme des microphones de manière plus ou moins violente. L’intention est de créer un dialogue en phase, un dialogue non symétrique, qui évolue à la manière d’une stichomythie symbolique, visuelle et sonore.

EN //

Mobile sound consisting of two industrial fans, as well as several microphones placed in front of each one. Each microphone “interprets” the sound and the breath sent by the machines in a different way thanks to a game of distance and sound treatments, a bit like an inverted choir. The microphones are divided into two groups of five microphones whose sound interpretation of the subject intersects, following the more or less random activation of the wind machines. It’s not only about capturing the sound, but also playing with the physicality of the wind that strikes directly on the diaphragm of the microphones in a more or less violent way. The intention is to create a dialogue in phase, a non-symmetrical dialogue, which evolves in the manner of a symbolic stichomythy, visual and sound.

Du 15  au 21 mai 2017, Festival de musique actuelle de Victoriaville

 – Lien vidéo – 

Comments are closed.

%d bloggers like this: